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L'imaginaire émergeant
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$44.95
(available to order)
Summary:
Au début des années soixante, des revues internationales d’art et d’architecture consacraient plusieurs articles aux travaux du jeune architecte André Jacqmain. Sous le titre "Une maison pour des tableaux", L’Œil d’avril 1962 présentait la maison du couple de collectionneurs d’art moderne Bertie et Gigi Urvater. Demeure baroque conçue comme un parcours labyrinthique qui(...)
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Au début des années soixante, des revues internationales d’art et d’architecture consacraient plusieurs articles aux travaux du jeune architecte André Jacqmain. Sous le titre "Une maison pour des tableaux", L’Œil d’avril 1962 présentait la maison du couple de collectionneurs d’art moderne Bertie et Gigi Urvater. Demeure baroque conçue comme un parcours labyrinthique qui(...)
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L'imaginaire émergeant
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Au début des années soixante, des revues internationales d’art et d’architecture consacraient plusieurs articles aux travaux du jeune architecte André Jacqmain. Sous le titre "Une maison pour des tableaux", L’Œil d’avril 1962 présentait la maison du couple de collectionneurs d’art moderne Bertie et Gigi Urvater. Demeure baroque conçue comme un parcours labyrinthique qui égrenait sur ses murs les Magritte, Ernst, Klee, Matta, Bacon, Riopelle… "Une maison", écrit l’auteur du texte, "qui ne ressemble à aucune autre", mettant ainsi le doigt sur ce qui caractérise l’originalité de Jacqmain. Toujours produire, au risque de ne pas faire école, des œuvres différentes nées de son imaginaire de latin du Nord et souvent soulignées par un tréfonds stylistique : réminiscences des élancements gothiques, des pagodes chinoises, de l’art déco... Après des études à l’Académie des beaux-arts de Bruxelles pendant les années de guerre, on le retrouve en 1950 aux Ateliers du Marais où il côtoie Pierre Alechinsky et Christian Dotremont. À 46 ans, en 1967, il fonde l’Atelier d’architecture de Genval, s’entoure d’une équipe, une pépinière d’idées qui fouettent l’imagination, qui lui permet d’aborder la grande échelle. Ce solitaire qui n’aime pas la solitude a toujours su s’entourer d’amis fidèles et d’artistes comme le créateur de meubles Jules Wabbes, les frères Strebelle, les photographes Gilles Ehrmann et Fabien de Cugnac, l’architecte Nicole Beeckmans qui l’a assisté dans la réalisation de ce livre où il retrace à travers des dessins son parcours, de sa naissance à aujourd’hui.
L'imaginaire émergeant
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Au début des années soixante, des revues internationales d’art et d’architecture consacraient plusieurs articles aux travaux du jeune architecte André Jacqmain. Sous le titre "Une maison pour des tableaux", L’Œil d’avril 1962 présentait la maison du couple de collectionneurs d’art moderne Bertie et Gigi Urvater. Demeure baroque conçue comme un parcours labyrinthique qui égrenait sur ses murs les Magritte, Ernst, Klee, Matta, Bacon, Riopelle… "Une maison", écrit l’auteur du texte, "qui ne ressemble à aucune autre", mettant ainsi le doigt sur ce qui caractérise l’originalité de Jacqmain. Toujours produire, au risque de ne pas faire école, des œuvres différentes nées de son imaginaire de latin du Nord et souvent soulignées par un tréfonds stylistique : réminiscences des élancements gothiques, des pagodes chinoises, de l’art déco... Après des études à l’Académie des beaux-arts de Bruxelles pendant les années de guerre, on le retrouve en 1950 aux Ateliers du Marais où il côtoie Pierre Alechinsky et Christian Dotremont. À 46 ans, en 1967, il fonde l’Atelier d’architecture de Genval, s’entoure d’une équipe, une pépinière d’idées qui fouettent l’imagination, qui lui permet d’aborder la grande échelle. Ce solitaire qui n’aime pas la solitude a toujours su s’entourer d’amis fidèles et d’artistes comme le créateur de meubles Jules Wabbes, les frères Strebelle, les photographes Gilles Ehrmann et Fabien de Cugnac, l’architecte Nicole Beeckmans qui l’a assisté dans la réalisation de ce livre où il retrace à travers des dessins son parcours, de sa naissance à aujourd’hui.
Form:
books
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Publication:
January 2005, Bruxelles
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Subject:
Architecture Monographs
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Title:
Agnes Martin: On beauty
Agnes Martin: On beauty
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Price:
$54.00
(available to order)
Summary:
"When I think of art I think of beauty. Beauty is the mystery of life," wrote Agnes Martin in 1989. Edited by Milly Glimcher, this handsomely produced volume collects writings by the artist centered around the theme of beauty, as well as a range of subjects related to her life and work, from the workings of nature and politics to the inspiration to be found in solitude(...)
$54.00
(available to order)
Summary:
"When I think of art I think of beauty. Beauty is the mystery of life," wrote Agnes Martin in 1989. Edited by Milly Glimcher, this handsomely produced volume collects writings by the artist centered around the theme of beauty, as well as a range of subjects related to her life and work, from the workings of nature and politics to the inspiration to be found in solitude(...)
Title:
Agnes Martin: On beauty
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$54.00
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Summary:
"When I think of art I think of beauty. Beauty is the mystery of life," wrote Agnes Martin in 1989. Edited by Milly Glimcher, this handsomely produced volume collects writings by the artist centered around the theme of beauty, as well as a range of subjects related to her life and work, from the workings of nature and politics to the inspiration to be found in solitude and silence. Poetic and reflective, these texts range from compact insights, as with "Underside of the Leaf" and "Awareness of Perfection," to longer meditations, such as "The Current of the River of Life Moves Us" and "The Untroubled Mind." ''On Beauty'' also includes reproductions of paintings such as Blessings (2000) and Tranquillity (2001), among others, while the front and back covers are debossed with reproductions of Affection (2001) and Little Children Playing with Love (2001). By providing a window into the thoughts and feelings that moved her, this title is the perfect companion for anyone who admires Martin's intuitive approach to art. Canadian American artist Agnes Martin (1912–2004) was one of the most influential painters of her generation and left an enduring mark on the history of modern and contemporary art. Characterized by austere lines and grids superimposed upon grounds of muted color, her paintings elegantly negotiate the confines of structure, space, draftsmanship and the metaphysical. Their underlying ideologies can be found in the writings she composed over the course of her career.
Agnes Martin: On beauty
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"When I think of art I think of beauty. Beauty is the mystery of life," wrote Agnes Martin in 1989. Edited by Milly Glimcher, this handsomely produced volume collects writings by the artist centered around the theme of beauty, as well as a range of subjects related to her life and work, from the workings of nature and politics to the inspiration to be found in solitude and silence. Poetic and reflective, these texts range from compact insights, as with "Underside of the Leaf" and "Awareness of Perfection," to longer meditations, such as "The Current of the River of Life Moves Us" and "The Untroubled Mind." ''On Beauty'' also includes reproductions of paintings such as Blessings (2000) and Tranquillity (2001), among others, while the front and back covers are debossed with reproductions of Affection (2001) and Little Children Playing with Love (2001). By providing a window into the thoughts and feelings that moved her, this title is the perfect companion for anyone who admires Martin's intuitive approach to art. Canadian American artist Agnes Martin (1912–2004) was one of the most influential painters of her generation and left an enduring mark on the history of modern and contemporary art. Characterized by austere lines and grids superimposed upon grounds of muted color, her paintings elegantly negotiate the confines of structure, space, draftsmanship and the metaphysical. Their underlying ideologies can be found in the writings she composed over the course of her career.
Form:
books
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Publication:
March 2026
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Subject:
Contemporary Art Monographs
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books
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Price:
$61.00
(available to order)
Summary:
Dès l'invention du premier procédé de photographie, la daguerréotype, il apparaît évident que la nouvelle découverte doit être mise au service de l'archéologie, et remplacer désormais le dessin ou la gravure. Très vite, les vues des monuments se multiplient et les sites archéologiques italiens, fréquentés depuis deux siècles par les voyageurs du « Grand Tour », deviennent(...)
$61.00
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Summary:
Dès l'invention du premier procédé de photographie, la daguerréotype, il apparaît évident que la nouvelle découverte doit être mise au service de l'archéologie, et remplacer désormais le dessin ou la gravure. Très vite, les vues des monuments se multiplient et les sites archéologiques italiens, fréquentés depuis deux siècles par les voyageurs du « Grand Tour », deviennent(...)
Publication:
November 2006, Paris
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Title:
Ruines italiennes : photographies des collections Alinari
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$61.00
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Summary:
Dès l'invention du premier procédé de photographie, la daguerréotype, il apparaît évident que la nouvelle découverte doit être mise au service de l'archéologie, et remplacer désormais le dessin ou la gravure. Très vite, les vues des monuments se multiplient et les sites archéologiques italiens, fréquentés depuis deux siècles par les voyageurs du « Grand Tour », deviennent un motif de prédilection des photographes, en particulier des frères Alinari, qui, en 1854, ont créé à Florence leur atelier de reproductions d'art. Du nord au sud de l'Italie, de Suse à Ségeste, ils nous font découvrir l'immense amphitéâtre de Vérone, Rome, mille et mille fois glorifiée, entre Palatin, Forum et Colisée, la villa Hadriana et le temple de la Sibylle à Tivoli, les vestiges d'Herculanum, et surtout Pompéi, qui dévoile son immensité, ses intérieurs décorés, ses morts aussi, figés dans l'éternité. Dans le sud, ils montrent Paestum et ses temples immergés dans la solitude, les sites de Sicile, plus sauvages encore... Des images singulières, tout à la fois porteuses d'informations et d'émotion, entre décor antique « authentique » et cadre pittoresque du XIXe siècle, qui sont les premières représentations de ces lieux qu'aujourd'hui nous parcourons en touristes aisés, guide et appareil photo en main, trop rarement seuls. Outre les frères Alinari, d'autres photographes, italiens mais aussi anglais, allemands, français, ont fixé ces ruines et figurent dans ce livre : Brogi, Crupi, Caneva, Anderson, Graham, Macpherson, von Gloeden, Flachéron... Préface de Charles-Henri Favrod.
Ruines italiennes : photographies des collections Alinari
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$61.00
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Dès l'invention du premier procédé de photographie, la daguerréotype, il apparaît évident que la nouvelle découverte doit être mise au service de l'archéologie, et remplacer désormais le dessin ou la gravure. Très vite, les vues des monuments se multiplient et les sites archéologiques italiens, fréquentés depuis deux siècles par les voyageurs du « Grand Tour », deviennent un motif de prédilection des photographes, en particulier des frères Alinari, qui, en 1854, ont créé à Florence leur atelier de reproductions d'art. Du nord au sud de l'Italie, de Suse à Ségeste, ils nous font découvrir l'immense amphitéâtre de Vérone, Rome, mille et mille fois glorifiée, entre Palatin, Forum et Colisée, la villa Hadriana et le temple de la Sibylle à Tivoli, les vestiges d'Herculanum, et surtout Pompéi, qui dévoile son immensité, ses intérieurs décorés, ses morts aussi, figés dans l'éternité. Dans le sud, ils montrent Paestum et ses temples immergés dans la solitude, les sites de Sicile, plus sauvages encore... Des images singulières, tout à la fois porteuses d'informations et d'émotion, entre décor antique « authentique » et cadre pittoresque du XIXe siècle, qui sont les premières représentations de ces lieux qu'aujourd'hui nous parcourons en touristes aisés, guide et appareil photo en main, trop rarement seuls. Outre les frères Alinari, d'autres photographes, italiens mais aussi anglais, allemands, français, ont fixé ces ruines et figurent dans ce livre : Brogi, Crupi, Caneva, Anderson, Graham, Macpherson, von Gloeden, Flachéron... Préface de Charles-Henri Favrod.
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books
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Publication:
November 2006, Paris
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books
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Price:
$24.99
(available to order)
Summary:
C'est à Berlin, en 1926, que le réalisateur russe S. M. Eisenstein découvre l'utilisation architecturale du verre et la place qu'il occupe dans un certain nombre d'utopies de réconciliation sociale (Gropius, Mies van der Rohe, Le Corbusier…). C'est alors qu'il envisage de réaliser Glass House, un projet inabouti dont il ne reste aujourd'hui que ses notes de travail,(...)
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C'est à Berlin, en 1926, que le réalisateur russe S. M. Eisenstein découvre l'utilisation architecturale du verre et la place qu'il occupe dans un certain nombre d'utopies de réconciliation sociale (Gropius, Mies van der Rohe, Le Corbusier…). C'est alors qu'il envisage de réaliser Glass House, un projet inabouti dont il ne reste aujourd'hui que ses notes de travail,(...)
Title:
Glass house: du projet de film au film comme projet S. M. Eisenstein
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$24.99
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Summary:
C'est à Berlin, en 1926, que le réalisateur russe S. M. Eisenstein découvre l'utilisation architecturale du verre et la place qu'il occupe dans un certain nombre d'utopies de réconciliation sociale (Gropius, Mies van der Rohe, Le Corbusier…). C'est alors qu'il envisage de réaliser Glass House, un projet inabouti dont il ne reste aujourd'hui que ses notes de travail, publiées dans cet ouvrage. Un projet pourtant tenté à Hollywood lorsqu'Eisenstein imagina la conception d'un gratte-ciel en verre où tous seraient soumis au regard de tous, où chacun serait renvoyé à sa solitude par soumission aux valeurs capitalistes, et où la question de l'aliénation sociale se mêlerait à celle du «trouble dans le genre» au travers de personnages venus tout droit de la tradition berlinoise du cabaret. Charlie Chaplin, fasciné par cette anti-utopie où lumière et transparence aboutissent à la coercition et à la mort, avait alors soutenu le réalisateur russe. Ce n'est donc pas un hasard si, dans Le Dictateur, Hinckel avoue à Napaloni être amateur de «moderne» et vouloir mettre partout des parois et plafonds en verre. Mais Glass House fut également un projet de cinéma : un cinéma échappant aux lois de la pesanteur, à l'héritage de la peinture naturaliste et à l'architecture traditionnelle, qui conduisit Eisenstein à une réflexion esthétique sur les thèmes du polycentrisme et de l'hétérotopie – thèmes que l'art moderne et contemporain ne cesseront jamais de travailler.
Glass house: du projet de film au film comme projet S. M. Eisenstein
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C'est à Berlin, en 1926, que le réalisateur russe S. M. Eisenstein découvre l'utilisation architecturale du verre et la place qu'il occupe dans un certain nombre d'utopies de réconciliation sociale (Gropius, Mies van der Rohe, Le Corbusier…). C'est alors qu'il envisage de réaliser Glass House, un projet inabouti dont il ne reste aujourd'hui que ses notes de travail, publiées dans cet ouvrage. Un projet pourtant tenté à Hollywood lorsqu'Eisenstein imagina la conception d'un gratte-ciel en verre où tous seraient soumis au regard de tous, où chacun serait renvoyé à sa solitude par soumission aux valeurs capitalistes, et où la question de l'aliénation sociale se mêlerait à celle du «trouble dans le genre» au travers de personnages venus tout droit de la tradition berlinoise du cabaret. Charlie Chaplin, fasciné par cette anti-utopie où lumière et transparence aboutissent à la coercition et à la mort, avait alors soutenu le réalisateur russe. Ce n'est donc pas un hasard si, dans Le Dictateur, Hinckel avoue à Napaloni être amateur de «moderne» et vouloir mettre partout des parois et plafonds en verre. Mais Glass House fut également un projet de cinéma : un cinéma échappant aux lois de la pesanteur, à l'héritage de la peinture naturaliste et à l'architecture traditionnelle, qui conduisit Eisenstein à une réflexion esthétique sur les thèmes du polycentrisme et de l'hétérotopie – thèmes que l'art moderne et contemporain ne cesseront jamais de travailler.
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books
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Publication:
December 2009
December 2009
Subject:
Architecture and Film, Set Design
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books
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Title:
Olafur Eliasson
Olafur Eliasson
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Price:
$59.95
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Summary:
Né au Danemark, Eliasson travaille aujourd hui à Berlin. Il reconstitue dans l'espace de la galerie les fragments d'une contrée lointaine et transforme en sculptures des sensations immatérielles ou des phénomènes invisibles. Une simple ouverture circulaire au plafond d'une galerie de Los Angeles, par exemple, suffit à donner l'illusion d'un pâle soleil scandinave et à(...)
$59.95
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Né au Danemark, Eliasson travaille aujourd hui à Berlin. Il reconstitue dans l'espace de la galerie les fragments d'une contrée lointaine et transforme en sculptures des sensations immatérielles ou des phénomènes invisibles. Une simple ouverture circulaire au plafond d'une galerie de Los Angeles, par exemple, suffit à donner l'illusion d'un pâle soleil scandinave et à(...)
Subject:
Contemporary Art Monographs
Contemporary Art Monographs
Publication:
June 2007, Paris
June 2007, Paris
Title:
Olafur Eliasson
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$59.95
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Summary:
Né au Danemark, Eliasson travaille aujourd hui à Berlin. Il reconstitue dans l'espace de la galerie les fragments d'une contrée lointaine et transforme en sculptures des sensations immatérielles ou des phénomènes invisibles. Une simple ouverture circulaire au plafond d'une galerie de Los Angeles, par exemple, suffit à donner l'illusion d'un pâle soleil scandinave et à fabriquer un cadran solaire géant, évoquant à la fois les découpes architecturales de Gordon Matta-Clark et l'oculus du Panthéon de Rome. Les ouvres sereines et magnifiques d'Eliasson, inspirées par les thèmes de la nature, de la solitude et de l'introspection, ont été présentées dans les grandes manifestations internationales d'art contemporain, dont la Biennale de Venise en 1999. Dans son essai, la conservatrice Madeleine Grynsztejn étudie la démarche singulière d un artiste qui mêle l'innovation technologique à son art. Le critique et conservateur Daniel Birnbaum s'entretient avec l'artiste de l'implantation des ouvres et de leur environnement immédiat, dans et à l'extérieur du musée. Dans «Focus», le théoricien de l'architecture Michael Speaks se penche sur l'intervention d'Eliasson «Green river» (1998), qu'il compare au film tourné par Antonioni en 1964, «Le Désert rouge». L'artiste a choisi un extrait de L'Évolution créatrice d'Henri Bergson (1907) qui traite de notre rapport subjectif et visuel à la nature, thème également central de son art. Les écrits d'Olafur Eliasson rassemblent un essai sur le plus banal des sujets, le temps qu il fait, et une lettre ouverte intitulée «Chers tous», adressée à tous les spectateurs de ses ouvres sensuelles et sophistiquées.
Olafur Eliasson
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Summary:
Né au Danemark, Eliasson travaille aujourd hui à Berlin. Il reconstitue dans l'espace de la galerie les fragments d'une contrée lointaine et transforme en sculptures des sensations immatérielles ou des phénomènes invisibles. Une simple ouverture circulaire au plafond d'une galerie de Los Angeles, par exemple, suffit à donner l'illusion d'un pâle soleil scandinave et à fabriquer un cadran solaire géant, évoquant à la fois les découpes architecturales de Gordon Matta-Clark et l'oculus du Panthéon de Rome. Les ouvres sereines et magnifiques d'Eliasson, inspirées par les thèmes de la nature, de la solitude et de l'introspection, ont été présentées dans les grandes manifestations internationales d'art contemporain, dont la Biennale de Venise en 1999. Dans son essai, la conservatrice Madeleine Grynsztejn étudie la démarche singulière d un artiste qui mêle l'innovation technologique à son art. Le critique et conservateur Daniel Birnbaum s'entretient avec l'artiste de l'implantation des ouvres et de leur environnement immédiat, dans et à l'extérieur du musée. Dans «Focus», le théoricien de l'architecture Michael Speaks se penche sur l'intervention d'Eliasson «Green river» (1998), qu'il compare au film tourné par Antonioni en 1964, «Le Désert rouge». L'artiste a choisi un extrait de L'Évolution créatrice d'Henri Bergson (1907) qui traite de notre rapport subjectif et visuel à la nature, thème également central de son art. Les écrits d'Olafur Eliasson rassemblent un essai sur le plus banal des sujets, le temps qu il fait, et une lettre ouverte intitulée «Chers tous», adressée à tous les spectateurs de ses ouvres sensuelles et sophistiquées.
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June 2007, Paris
June 2007, Paris
Subject:
Contemporary Art Monographs
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