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Bien que Richter se soit exprimé à maintes reprises par la parole et l'écrit, jusqu'à présent il s'est toujours montré réservé quant à la publication de ses textes. Hormis de nombreuses interviews, seuls quelques fragments de textes isolés ont été publiés ici et là. Outre ses notes et extraits de journal écrits au fil des mots, trouvera-t-on des essais, des lettres,(...)
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Bien que Richter se soit exprimé à maintes reprises par la parole et l'écrit, jusqu'à présent il s'est toujours montré réservé quant à la publication de ses textes. Hormis de nombreuses interviews, seuls quelques fragments de textes isolés ont été publiés ici et là. Outre ses notes et extraits de journal écrits au fil des mots, trouvera-t-on des essais, des lettres,(...)
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Gerhard Richter: textes, 1962-1993
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Bien que Richter se soit exprimé à maintes reprises par la parole et l'écrit, jusqu'à présent il s'est toujours montré réservé quant à la publication de ses textes. Hormis de nombreuses interviews, seuls quelques fragments de textes isolés ont été publiés ici et là. Outre ses notes et extraits de journal écrits au fil des mots, trouvera-t-on des essais, des lettres, prises de positions et déclarations, manifestes, entretiens, conversations et dialogues. Les notes écrites de Richter accompagnent l'acte de peindre, elles le mettent en question et subissent même son correctif. Au lieu d'un texte anticipatoire et explicite, apparaissent une pensée synchrone et une réflexion ultérieure, raisonnée au sens le plus littéral du terme, où le réfléchir sur soi-même est le prolongement du doute. Comme nul autre artiste contemporain, Richter s'interroge sur le possible et l'impossible, sur la fonction et l'autonomie de l'art actuel.
Gerhard Richter: textes, 1962-1993
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Bien que Richter se soit exprimé à maintes reprises par la parole et l'écrit, jusqu'à présent il s'est toujours montré réservé quant à la publication de ses textes. Hormis de nombreuses interviews, seuls quelques fragments de textes isolés ont été publiés ici et là. Outre ses notes et extraits de journal écrits au fil des mots, trouvera-t-on des essais, des lettres, prises de positions et déclarations, manifestes, entretiens, conversations et dialogues. Les notes écrites de Richter accompagnent l'acte de peindre, elles le mettent en question et subissent même son correctif. Au lieu d'un texte anticipatoire et explicite, apparaissent une pensée synchrone et une réflexion ultérieure, raisonnée au sens le plus littéral du terme, où le réfléchir sur soi-même est le prolongement du doute. Comme nul autre artiste contemporain, Richter s'interroge sur le possible et l'impossible, sur la fonction et l'autonomie de l'art actuel.
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juillet 2012
juillet 2012
Sujet:
Théorie de l’art
Théorie de l’art
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$24.95
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Une approche biographique de l'œuvre de Gerhard Richter à travers une enquête, à la fois essai critique et roman policier, qui dévoile le terrible secret dissimulé dans les tableaux de l'un des plus célèbres peintres contemporains.
$24.95
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Une approche biographique de l'œuvre de Gerhard Richter à travers une enquête, à la fois essai critique et roman policier, qui dévoile le terrible secret dissimulé dans les tableaux de l'un des plus célèbres peintres contemporains.
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Richter, peintre d'Allemagne: le drame d'une famille
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Une approche biographique de l'œuvre de Gerhard Richter à travers une enquête, à la fois essai critique et roman policier, qui dévoile le terrible secret dissimulé dans les tableaux de l'un des plus célèbres peintres contemporains.
Richter, peintre d'Allemagne: le drame d'une famille
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Une approche biographique de l'œuvre de Gerhard Richter à travers une enquête, à la fois essai critique et roman policier, qui dévoile le terrible secret dissimulé dans les tableaux de l'un des plus célèbres peintres contemporains.
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juillet 2012
juillet 2012
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Théorie de l’art
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Artistes et entreprises
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$24.95
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De pays et d'horizons différents, artistes, critiques, historiens de l'art, économistes et philosophes interrogent les entreprises-artistes. Véritable conjonction entre une forme entrepreneuriale et un artiste, elles surgissent des quatre coins du globe depuis les années 1960, en tant que « sociétés » ou bien « firmes » et sont portées par des artistes entrepreneurs. (...)
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(disponible sur commande)
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De pays et d'horizons différents, artistes, critiques, historiens de l'art, économistes et philosophes interrogent les entreprises-artistes. Véritable conjonction entre une forme entrepreneuriale et un artiste, elles surgissent des quatre coins du globe depuis les années 1960, en tant que « sociétés » ou bien « firmes » et sont portées par des artistes entrepreneurs. (...)
Sujet:
Théorie de l’art
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juillet 2012
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Artistes et entreprises
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De pays et d'horizons différents, artistes, critiques, historiens de l'art, économistes et philosophes interrogent les entreprises-artistes. Véritable conjonction entre une forme entrepreneuriale et un artiste, elles surgissent des quatre coins du globe depuis les années 1960, en tant que « sociétés » ou bien « firmes » et sont portées par des artistes entrepreneurs. Cet ouvrage a pour ambition de confronter des approches critiques sur une forme de questionnement et d'appropriation par les artistes du modèle de l'entreprise : son nom, son statut, sa labellisation, son image graphique, son mode de fonctionnement, son marketing ou encore sa production. Tout semble converger vers une remise en question profonde de la place que les artistes entendent prendre dans la société. Pourquoi et comment ont-ils investi ce domaine à priori hors du champ artistique ? L'apparition de ces « firmes », souvent qualifiées d'« entreprises critiques », est à mettre en regard de l'évolution de la société mondiale ; les artistes entrepreneurs veulent ainsi y répondre à leur manière en détournant les codes du monde entrepreneurial, en parodiant parfois même les stratégies à l'œuvre dans l'entreprise, voire en inventant de nouvelles formes d'autonomisation en rupture avec les modèles ayant cours dans le marché et le milieu de l'art.
Artistes et entreprises
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$24.95
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De pays et d'horizons différents, artistes, critiques, historiens de l'art, économistes et philosophes interrogent les entreprises-artistes. Véritable conjonction entre une forme entrepreneuriale et un artiste, elles surgissent des quatre coins du globe depuis les années 1960, en tant que « sociétés » ou bien « firmes » et sont portées par des artistes entrepreneurs. Cet ouvrage a pour ambition de confronter des approches critiques sur une forme de questionnement et d'appropriation par les artistes du modèle de l'entreprise : son nom, son statut, sa labellisation, son image graphique, son mode de fonctionnement, son marketing ou encore sa production. Tout semble converger vers une remise en question profonde de la place que les artistes entendent prendre dans la société. Pourquoi et comment ont-ils investi ce domaine à priori hors du champ artistique ? L'apparition de ces « firmes », souvent qualifiées d'« entreprises critiques », est à mettre en regard de l'évolution de la société mondiale ; les artistes entrepreneurs veulent ainsi y répondre à leur manière en détournant les codes du monde entrepreneurial, en parodiant parfois même les stratégies à l'œuvre dans l'entreprise, voire en inventant de nouvelles formes d'autonomisation en rupture avec les modèles ayant cours dans le marché et le milieu de l'art.
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juillet 2012
juillet 2012
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Théorie de l’art
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$31.95
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Cette publication rassemble des textes et certains éléments de théorie que Richard Martel a écrits sur une période de dix ans, entre 2002 et 2012. Pionnier de l'art alternatif et de l'autogestion, l'auteur y affirme ses idées sur l'activité artistique dans ses rapports culturels, sociaux, politiques. Il y traite d'un faire de l'art en considérant les grandes orientations(...)
$31.95
(disponible sur commande)
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Cette publication rassemble des textes et certains éléments de théorie que Richard Martel a écrits sur une période de dix ans, entre 2002 et 2012. Pionnier de l'art alternatif et de l'autogestion, l'auteur y affirme ses idées sur l'activité artistique dans ses rapports culturels, sociaux, politiques. Il y traite d'un faire de l'art en considérant les grandes orientations(...)
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Richard Martel: l'art dans l'action, l'action dans l'art, textes 2002-2012
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$31.95
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Cette publication rassemble des textes et certains éléments de théorie que Richard Martel a écrits sur une période de dix ans, entre 2002 et 2012. Pionnier de l'art alternatif et de l'autogestion, l'auteur y affirme ses idées sur l'activité artistique dans ses rapports culturels, sociaux, politiques. Il y traite d'un faire de l'art en considérant les grandes orientations de l'art actuel comme prises de position dans divers mouvements et tendances qui illustrent le passage de « l'art comme objet » à « l'art comme événement ». Il est aussi question de contexte, de périphérie, de relation, de performativité, d'artéosophie et d'alchimie performative dans une périphérie des systèmes et des systèmes périphériques. L'auteur y préconise un art à l'échelle humaine, qui implique une prise de risque dans l'exercice des pratiques désormais admises au sein du spectre des réalisations artistiques récentes. Contre l'économisme dominant, le vécu en tant qu'idéologie nous propose de considérer l'ensemble des dispositifs artistiques dans leurs relations et leurs contextes spécifiques. Ainsi, les tentatives pour un art actuel, au sens d'une action directe dans les rouages sociaux, exposent une solidarité à même le « réseau éternel ».
Richard Martel: l'art dans l'action, l'action dans l'art, textes 2002-2012
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Cette publication rassemble des textes et certains éléments de théorie que Richard Martel a écrits sur une période de dix ans, entre 2002 et 2012. Pionnier de l'art alternatif et de l'autogestion, l'auteur y affirme ses idées sur l'activité artistique dans ses rapports culturels, sociaux, politiques. Il y traite d'un faire de l'art en considérant les grandes orientations de l'art actuel comme prises de position dans divers mouvements et tendances qui illustrent le passage de « l'art comme objet » à « l'art comme événement ». Il est aussi question de contexte, de périphérie, de relation, de performativité, d'artéosophie et d'alchimie performative dans une périphérie des systèmes et des systèmes périphériques. L'auteur y préconise un art à l'échelle humaine, qui implique une prise de risque dans l'exercice des pratiques désormais admises au sein du spectre des réalisations artistiques récentes. Contre l'économisme dominant, le vécu en tant qu'idéologie nous propose de considérer l'ensemble des dispositifs artistiques dans leurs relations et leurs contextes spécifiques. Ainsi, les tentatives pour un art actuel, au sens d'une action directe dans les rouages sociaux, exposent une solidarité à même le « réseau éternel ».
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juillet 2012
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Théorie de l’art
Théorie de l’art
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$27.95
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This collection surveys the choreographic turn in the artistic imagination from the 1950s onwards, and in doing so outlines the philosophies of movement instrumental to the development of experimental dance. By introducing and discussing the concepts of embodiment and corporeality, choreopolitics, and the notion of dance in an expanded field, Dance establishes the(...)
$27.95
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This collection surveys the choreographic turn in the artistic imagination from the 1950s onwards, and in doing so outlines the philosophies of movement instrumental to the development of experimental dance. By introducing and discussing the concepts of embodiment and corporeality, choreopolitics, and the notion of dance in an expanded field, Dance establishes the(...)
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Documents of contemporary art : Dance
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This collection surveys the choreographic turn in the artistic imagination from the 1950s onwards, and in doing so outlines the philosophies of movement instrumental to the development of experimental dance. By introducing and discussing the concepts of embodiment and corporeality, choreopolitics, and the notion of dance in an expanded field, Dance establishes the aesthetics and politics of dance as a major impetus in contemporary culture. It offers testimonies and writings by influential visual artists whose work has taken inspiration from dance and choreography. Dance--because of its ephemerality, corporeality, precariousness, scoring, and performativity--is arguably the art form that most clearly engages the politics of aesthetics in contemporary culture. Dance's ephemerality suggests the possibility of an escape from the regimes of commodification and fetishization in the arts. Its corporeality can embody critiques of representation inscribed in bodies and subjects. Its precariousness underlines the fragility of contemporary states of being. Scoring links it with conceptual art, as language becomes the articulator for possible as well as impossible modes of action. Finally, because dance always establishes a contract, or promise, between its choreographic planning and its actualization in movement, it reveals an essential performativity in its aesthetic project--a central concern for both art and critical thought in our time.
Documents of contemporary art : Dance
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This collection surveys the choreographic turn in the artistic imagination from the 1950s onwards, and in doing so outlines the philosophies of movement instrumental to the development of experimental dance. By introducing and discussing the concepts of embodiment and corporeality, choreopolitics, and the notion of dance in an expanded field, Dance establishes the aesthetics and politics of dance as a major impetus in contemporary culture. It offers testimonies and writings by influential visual artists whose work has taken inspiration from dance and choreography. Dance--because of its ephemerality, corporeality, precariousness, scoring, and performativity--is arguably the art form that most clearly engages the politics of aesthetics in contemporary culture. Dance's ephemerality suggests the possibility of an escape from the regimes of commodification and fetishization in the arts. Its corporeality can embody critiques of representation inscribed in bodies and subjects. Its precariousness underlines the fragility of contemporary states of being. Scoring links it with conceptual art, as language becomes the articulator for possible as well as impossible modes of action. Finally, because dance always establishes a contract, or promise, between its choreographic planning and its actualization in movement, it reveals an essential performativity in its aesthetic project--a central concern for both art and critical thought in our time.
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septembre 2012
septembre 2012
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Théorie de l’art
Théorie de l’art
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This anthology investigates the turn in art not only towards archives and histories, the relics of modernities past, but toward the phenomena, in themselves, of "haunting" and the activation of memory. It looks at a wide array of artistic relationships to memory association, repetition and reappearance, as well as forms of "active" forgetting. Its discussions encompass(...)
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This anthology investigates the turn in art not only towards archives and histories, the relics of modernities past, but toward the phenomena, in themselves, of "haunting" and the activation of memory. It looks at a wide array of artistic relationships to memory association, repetition and reappearance, as well as forms of "active" forgetting. Its discussions encompass(...)
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Documents of contemporary art : Memory
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This anthology investigates the turn in art not only towards archives and histories, the relics of modernities past, but toward the phenomena, in themselves, of "haunting" and the activation of memory. It looks at a wide array of artistic relationships to memory association, repetition and reappearance, as well as forms of "active" forgetting. Its discussions encompass artworks from the late 1940s onward, ranging from reperformances such as Marina Abramovi's Seven Easy Pieces (embodied resurrections of decades-removed performance pieces by her contemporaries) to the inanimate trace of "memory" Robert Morris assigns to his free-form felt pieces, which "forget" in their present configurations their previous slides and falls. Contextualizing memory's role in visual theory and aesthetic politics--from Marcel Proust's optics to Bernard Stiegler's analysis of memory's "industrialization"--this collection also surveys the diversity of situations and registers in which contemporary artists explore memory. Art that engages with memory embodied in material and spatial conditions is examined beside works that reflect upon memory's effects through time, and yet others that enlist the agency of remembrance or forgetting to work through aspects of the numerous pasts by which the present is always haunted.
Documents of contemporary art : Memory
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$27.95
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This anthology investigates the turn in art not only towards archives and histories, the relics of modernities past, but toward the phenomena, in themselves, of "haunting" and the activation of memory. It looks at a wide array of artistic relationships to memory association, repetition and reappearance, as well as forms of "active" forgetting. Its discussions encompass artworks from the late 1940s onward, ranging from reperformances such as Marina Abramovi's Seven Easy Pieces (embodied resurrections of decades-removed performance pieces by her contemporaries) to the inanimate trace of "memory" Robert Morris assigns to his free-form felt pieces, which "forget" in their present configurations their previous slides and falls. Contextualizing memory's role in visual theory and aesthetic politics--from Marcel Proust's optics to Bernard Stiegler's analysis of memory's "industrialization"--this collection also surveys the diversity of situations and registers in which contemporary artists explore memory. Art that engages with memory embodied in material and spatial conditions is examined beside works that reflect upon memory's effects through time, and yet others that enlist the agency of remembrance or forgetting to work through aspects of the numerous pasts by which the present is always haunted.
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septembre 2012
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Théorie de l’art
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$17.95
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In the work Kunsthalle Bern 1992, Asher removed the radiators from all the museum's exhibition spaces and reassembled them in its entryway gallery. Metal pipes connected the relocated radiators to their original sockets; these tubular conduits, coursing in linear fashion along the Kunsthalle's walls, kept the steam heat flowing and endowed the installation with(...)
$17.95
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In the work Kunsthalle Bern 1992, Asher removed the radiators from all the museum's exhibition spaces and reassembled them in its entryway gallery. Metal pipes connected the relocated radiators to their original sockets; these tubular conduits, coursing in linear fashion along the Kunsthalle's walls, kept the steam heat flowing and endowed the installation with(...)
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Michael Asher : Kunsthalle Bern, 1929
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In the work Kunsthalle Bern 1992, Asher removed the radiators from all the museum's exhibition spaces and reassembled them in its entryway gallery. Metal pipes connected the relocated radiators to their original sockets; these tubular conduits, coursing in linear fashion along the Kunsthalle's walls, kept the steam heat flowing and endowed the installation with directional lines of force. This "displacement of givens" offers a perfect example of site-specific practice, one that took the gallery space and the institution itself as its subject. In this detailed examination of Kunsthalle Bern 1992, Anne Rorimer considers the work in the context of Asher's ongoing desire to fuse art with the material, economic, and social conditions of institutional presentation. Rorimer analyzes Kunsthalle Bern 1992 in relation to the earlier innovations of such minimalist artists as Donald Judd, Carl Andre, Robert Morris, Sol LeWitt, Bruce Nauman, and Dan Flavin as well as to such conceptualist contemporaries as Daniel Buren, Dan Graham, and Maria Nordman. She also considers the installation in the context of other works by Asher that have used non-art, functional elements, including walls, or that have investigated museological issues.
Michael Asher : Kunsthalle Bern, 1929
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In the work Kunsthalle Bern 1992, Asher removed the radiators from all the museum's exhibition spaces and reassembled them in its entryway gallery. Metal pipes connected the relocated radiators to their original sockets; these tubular conduits, coursing in linear fashion along the Kunsthalle's walls, kept the steam heat flowing and endowed the installation with directional lines of force. This "displacement of givens" offers a perfect example of site-specific practice, one that took the gallery space and the institution itself as its subject. In this detailed examination of Kunsthalle Bern 1992, Anne Rorimer considers the work in the context of Asher's ongoing desire to fuse art with the material, economic, and social conditions of institutional presentation. Rorimer analyzes Kunsthalle Bern 1992 in relation to the earlier innovations of such minimalist artists as Donald Judd, Carl Andre, Robert Morris, Sol LeWitt, Bruce Nauman, and Dan Flavin as well as to such conceptualist contemporaries as Daniel Buren, Dan Graham, and Maria Nordman. She also considers the installation in the context of other works by Asher that have used non-art, functional elements, including walls, or that have investigated museological issues.
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novembre 2012
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Théorie de l’art
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Almost a half-century after Yayoi Kusama debuted her landmark installation Infinity Mirror Room - Phalli's Field (1965) in New York, the work remains challenging and unclassifiable. Shifting between the Pop-like and the Surreal, the Minimal and the metaphorical, the figurative and the abstract, the psychotic and the erotic, with references to "free love" and psychedelia,(...)
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Almost a half-century after Yayoi Kusama debuted her landmark installation Infinity Mirror Room - Phalli's Field (1965) in New York, the work remains challenging and unclassifiable. Shifting between the Pop-like and the Surreal, the Minimal and the metaphorical, the figurative and the abstract, the psychotic and the erotic, with references to "free love" and psychedelia,(...)
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Yayoi Kusuma : Infinity mirror room - Phalli's Field
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Almost a half-century after Yayoi Kusama debuted her landmark installation Infinity Mirror Room - Phalli's Field (1965) in New York, the work remains challenging and unclassifiable. Shifting between the Pop-like and the Surreal, the Minimal and the metaphorical, the figurative and the abstract, the psychotic and the erotic, with references to "free love" and psychedelia, it seemed to embody all that the 1960s was about, while at the same time denying the prevailing aesthetics of its time. The installation itself was a room lined with mirrored panels and carpeted with several hundred brightly polka-dotted soft fabric protrusions into which the visitor was completely absorbed. Kusama simply called it "a sublime, miraculous field of phalluses." A precursor of performance-based feminist art practice, media pranksterism, and "Occupy" movements, Kusama (born in 1929) was once as well known as her admirers - Andy Warhol, Donald Judd, and Joseph Cornell. In this first monograph on an epoch-defining work, Jo Applin looks at the installation in detail and places it in the context of subsequent art practice and theory as well as Kusama's own (as she called it) "obsessional art." Applin also discusses Kusama's relationship to her contemporaries, particularly those working with environments, abstract-erotic sculpture, and mirrors, and those grappling with such issues as abstraction, eroticism, sexuality, and softness. The work of Lee Lozano, Claes Oldenburg, Louise Bourgeois, and Eva Hesse is seen anew when considered in relation to Yayoi Kusama's.
Yayoi Kusuma : Infinity mirror room - Phalli's Field
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Almost a half-century after Yayoi Kusama debuted her landmark installation Infinity Mirror Room - Phalli's Field (1965) in New York, the work remains challenging and unclassifiable. Shifting between the Pop-like and the Surreal, the Minimal and the metaphorical, the figurative and the abstract, the psychotic and the erotic, with references to "free love" and psychedelia, it seemed to embody all that the 1960s was about, while at the same time denying the prevailing aesthetics of its time. The installation itself was a room lined with mirrored panels and carpeted with several hundred brightly polka-dotted soft fabric protrusions into which the visitor was completely absorbed. Kusama simply called it "a sublime, miraculous field of phalluses." A precursor of performance-based feminist art practice, media pranksterism, and "Occupy" movements, Kusama (born in 1929) was once as well known as her admirers - Andy Warhol, Donald Judd, and Joseph Cornell. In this first monograph on an epoch-defining work, Jo Applin looks at the installation in detail and places it in the context of subsequent art practice and theory as well as Kusama's own (as she called it) "obsessional art." Applin also discusses Kusama's relationship to her contemporaries, particularly those working with environments, abstract-erotic sculpture, and mirrors, and those grappling with such issues as abstraction, eroticism, sexuality, and softness. The work of Lee Lozano, Claes Oldenburg, Louise Bourgeois, and Eva Hesse is seen anew when considered in relation to Yayoi Kusama's.
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novembre 2012
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Théorie de l’art
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Dada in Paris
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$32.95
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Michel Sanouillet's Dada in Paris, published in France in 1965, reintroduced the Dada movement to a public that had largely ignored or forgotten it. More than forty years later, it remains both the unavoidable starting point and the essential reference for anyone interested in Dada or the early-twentieth century avant-garde. This first English-language edition of(...)
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Michel Sanouillet's Dada in Paris, published in France in 1965, reintroduced the Dada movement to a public that had largely ignored or forgotten it. More than forty years later, it remains both the unavoidable starting point and the essential reference for anyone interested in Dada or the early-twentieth century avant-garde. This first English-language edition of(...)
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Dada in Paris
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Résumé:
Michel Sanouillet's Dada in Paris, published in France in 1965, reintroduced the Dada movement to a public that had largely ignored or forgotten it. More than forty years later, it remains both the unavoidable starting point and the essential reference for anyone interested in Dada or the early-twentieth century avant-garde. This first English-language edition of Sanouillet's definitive work (a translation of the expanded 2005 French edition) gives English-speaking readers their first direct access to the author's monumental history (based on years of research, including personal involvement with most of the Dadaists still living at the time) and massive compilation of previously unpublished correspondence, including more than 200 letters to and from such movement luminaries as Tristan Tzara, Andr Breton, and Francis Picabia.
Dada in Paris
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Michel Sanouillet's Dada in Paris, published in France in 1965, reintroduced the Dada movement to a public that had largely ignored or forgotten it. More than forty years later, it remains both the unavoidable starting point and the essential reference for anyone interested in Dada or the early-twentieth century avant-garde. This first English-language edition of Sanouillet's definitive work (a translation of the expanded 2005 French edition) gives English-speaking readers their first direct access to the author's monumental history (based on years of research, including personal involvement with most of the Dadaists still living at the time) and massive compilation of previously unpublished correspondence, including more than 200 letters to and from such movement luminaries as Tristan Tzara, Andr Breton, and Francis Picabia.
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octobre 2012
octobre 2012
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Théorie de l’art
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The innocence of objects
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$40.00
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The culmination of decades of omnivorous collecting, Orhan Pamuk’s Museum of Innocence in Istanbul uses his novel, The Museum of Innocence, as a departure point to explore the city of his youth. In The Innocence of Objects, Pamuk writes about things that matter deeply to him: the psychology of the collector, the proper role of the museum, the photography of old Istanbul,(...)
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Résumé:
The culmination of decades of omnivorous collecting, Orhan Pamuk’s Museum of Innocence in Istanbul uses his novel, The Museum of Innocence, as a departure point to explore the city of his youth. In The Innocence of Objects, Pamuk writes about things that matter deeply to him: the psychology of the collector, the proper role of the museum, the photography of old Istanbul,(...)
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The innocence of objects
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Résumé:
The culmination of decades of omnivorous collecting, Orhan Pamuk’s Museum of Innocence in Istanbul uses his novel, The Museum of Innocence, as a departure point to explore the city of his youth. In The Innocence of Objects, Pamuk writes about things that matter deeply to him: the psychology of the collector, the proper role of the museum, the photography of old Istanbul, and of course the customs and traditions of this city. The book’s imagery is evocative, ranging from the ephemera of everyday life to photographies of Ara Güler.
The innocence of objects
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The culmination of decades of omnivorous collecting, Orhan Pamuk’s Museum of Innocence in Istanbul uses his novel, The Museum of Innocence, as a departure point to explore the city of his youth. In The Innocence of Objects, Pamuk writes about things that matter deeply to him: the psychology of the collector, the proper role of the museum, the photography of old Istanbul, and of course the customs and traditions of this city. The book’s imagery is evocative, ranging from the ephemera of everyday life to photographies of Ara Güler.
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octobre 2012
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Théorie de l’art
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