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Résumé:
La photographie connaît depuis quelques années un engouement sans précédent auprès du public, des institutions, de la critique mais aussi des artistes, qui l'intègrent de plus en plus à leur pratique. Elle est ainsi devenue aujourd'hui l'un des principaux médiums de l'art contemporain. Ce livre analyse l'infinie variété de sujets abordés et de techniques employées par les(...)
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La photographie connaît depuis quelques années un engouement sans précédent auprès du public, des institutions, de la critique mais aussi des artistes, qui l'intègrent de plus en plus à leur pratique. Elle est ainsi devenue aujourd'hui l'un des principaux médiums de l'art contemporain. Ce livre analyse l'infinie variété de sujets abordés et de techniques employées par les(...)
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La photographie dans l'art contemporain
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Résumé:
La photographie connaît depuis quelques années un engouement sans précédent auprès du public, des institutions, de la critique mais aussi des artistes, qui l'intègrent de plus en plus à leur pratique. Elle est ainsi devenue aujourd'hui l'un des principaux médiums de l'art contemporain. Ce livre analyse l'infinie variété de sujets abordés et de techniques employées par les artistes, mais il s'attache surtout, et c'est là son originalité, à dresser une typologie de leurs différentes approches. Pour certains artistes, comme Sophie Calle ou Erwin Wurm, la photographie est un moyen d'enregistrer une performance ou une action quotidienne, tandis que pour d'autres, comme Yinka Shonibare ou Gregory Crewdson, elle permet la mise en scène de récits imaginaires. Andreas Gursky, Thomas Demand et Rineke Dijkstra présentent de leur côté une vision froide et en apparence objective du monde extérieur, tandis que Richard Billingham, Nan Goldin ou encore Wolfgang Tillmans donnent à voir des détails intimes de leur vie privée. Entre les mains de Luc Delahaye et d'Allan Sekula, la photographie est un moyen de créer un travail documentaire, alors que pour d'autres encore, comme Cindy Sherman ou Gillian Wearing, l'image photographique devient un réceptacle de valeurs personnelles, sociales et culturelles dans un monde saturé d'images. Au fil de sept chapitres richement illustrés, Charlotte Cotton mène une analyse originale du travail des artistes les plus importants dans ce domaine et de leurs œuvres clés, et livre ainsi une introduction subtile et exigeante à une forme qui domine la scène artistique en ce début de XXIe siècle.
La photographie dans l'art contemporain
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La photographie connaît depuis quelques années un engouement sans précédent auprès du public, des institutions, de la critique mais aussi des artistes, qui l'intègrent de plus en plus à leur pratique. Elle est ainsi devenue aujourd'hui l'un des principaux médiums de l'art contemporain. Ce livre analyse l'infinie variété de sujets abordés et de techniques employées par les artistes, mais il s'attache surtout, et c'est là son originalité, à dresser une typologie de leurs différentes approches. Pour certains artistes, comme Sophie Calle ou Erwin Wurm, la photographie est un moyen d'enregistrer une performance ou une action quotidienne, tandis que pour d'autres, comme Yinka Shonibare ou Gregory Crewdson, elle permet la mise en scène de récits imaginaires. Andreas Gursky, Thomas Demand et Rineke Dijkstra présentent de leur côté une vision froide et en apparence objective du monde extérieur, tandis que Richard Billingham, Nan Goldin ou encore Wolfgang Tillmans donnent à voir des détails intimes de leur vie privée. Entre les mains de Luc Delahaye et d'Allan Sekula, la photographie est un moyen de créer un travail documentaire, alors que pour d'autres encore, comme Cindy Sherman ou Gillian Wearing, l'image photographique devient un réceptacle de valeurs personnelles, sociales et culturelles dans un monde saturé d'images. Au fil de sept chapitres richement illustrés, Charlotte Cotton mène une analyse originale du travail des artistes les plus importants dans ce domaine et de leurs œuvres clés, et livre ainsi une introduction subtile et exigeante à une forme qui domine la scène artistique en ce début de XXIe siècle.
Classification:
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Publication:
mai 2005, Paris
mai 2005, Paris
Sujet:
Théorie de la photographie
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Titre:
La femme unidimensionelle
La femme unidimensionelle
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$22.95
(disponible sur commande)
Résumé:
À mi-chemin du pamphlet et du texte théorique, cet ouvrage pourfend les dévoiements dont le féminisme a fait l'objet. Comment le féminisme, jadis pratique utopique et révolutionnaire, a-t-il pu devenir un discours hégémonique parfaitement adapté aux exigences du marché ? Comment ses ennemis d'hier ont-ils pu se l'approprier ? Car aujourd'hui, le féminisme est partout,(...)
$22.95
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Résumé:
À mi-chemin du pamphlet et du texte théorique, cet ouvrage pourfend les dévoiements dont le féminisme a fait l'objet. Comment le féminisme, jadis pratique utopique et révolutionnaire, a-t-il pu devenir un discours hégémonique parfaitement adapté aux exigences du marché ? Comment ses ennemis d'hier ont-ils pu se l'approprier ? Car aujourd'hui, le féminisme est partout,(...)
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La femme unidimensionelle
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Résumé:
À mi-chemin du pamphlet et du texte théorique, cet ouvrage pourfend les dévoiements dont le féminisme a fait l'objet. Comment le féminisme, jadis pratique utopique et révolutionnaire, a-t-il pu devenir un discours hégémonique parfaitement adapté aux exigences du marché ? Comment ses ennemis d'hier ont-ils pu se l'approprier ? Car aujourd'hui, le féminisme est partout, prétexte à vendre tout et n'importe quoi, des vibromasseurs aux chaussures de luxe en passant bien entendu par soi-même. L'auteure analyse de façon claire, vivante et concise les principaux points d'application d'un féminisme cheval de Troie du néolibéralisme : la consommation, la guerre, le rapport à soi et le marché du travail. Elle souligne qu'en dépit de leur diversité voire de leurs incohérences, les usages actuels du mot " féminisme " participent d'un processus global de marchandisation : les femmes doivent apprendre à " valoriser leurs atouts ", considérer leur corps comme un ensemble de pièces détachées, devenir des mères idéales sans oublier d'aller se vendre sur le marché du travail ni de maîtriser à la perfection l'art de la sexualité. Après la femme-objet, voici la femme-marchandise ! Dans notre époque prétendument post-féministe, les femmes se trouvent donc enfermées, sous couvert d'émancipation, dans une nouvelle forme d'essentialisation et de servitude. En s'appuyant sur des exemples tirés du cinéma, de la philosophie, de l'actualité, de la pornographie et des luttes féministes d'hier et d'aujourd'hui, ce livre montre que l'unidimensionnalité n'est pas une fatalité pour les femmes, et que le combat féministe se trouve non pas derrière nous, mais devant nous.
La femme unidimensionelle
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À mi-chemin du pamphlet et du texte théorique, cet ouvrage pourfend les dévoiements dont le féminisme a fait l'objet. Comment le féminisme, jadis pratique utopique et révolutionnaire, a-t-il pu devenir un discours hégémonique parfaitement adapté aux exigences du marché ? Comment ses ennemis d'hier ont-ils pu se l'approprier ? Car aujourd'hui, le féminisme est partout, prétexte à vendre tout et n'importe quoi, des vibromasseurs aux chaussures de luxe en passant bien entendu par soi-même. L'auteure analyse de façon claire, vivante et concise les principaux points d'application d'un féminisme cheval de Troie du néolibéralisme : la consommation, la guerre, le rapport à soi et le marché du travail. Elle souligne qu'en dépit de leur diversité voire de leurs incohérences, les usages actuels du mot " féminisme " participent d'un processus global de marchandisation : les femmes doivent apprendre à " valoriser leurs atouts ", considérer leur corps comme un ensemble de pièces détachées, devenir des mères idéales sans oublier d'aller se vendre sur le marché du travail ni de maîtriser à la perfection l'art de la sexualité. Après la femme-objet, voici la femme-marchandise ! Dans notre époque prétendument post-féministe, les femmes se trouvent donc enfermées, sous couvert d'émancipation, dans une nouvelle forme d'essentialisation et de servitude. En s'appuyant sur des exemples tirés du cinéma, de la philosophie, de l'actualité, de la pornographie et des luttes féministes d'hier et d'aujourd'hui, ce livre montre que l'unidimensionnalité n'est pas une fatalité pour les femmes, et que le combat féministe se trouve non pas derrière nous, mais devant nous.
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livres
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Publication:
septembre 2010
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Sujet:
Social
Social
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livres
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$59.95
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Résumé:
Cet ouvrage, consacré au jeune designer Amaury Poudray, s’articule autour de questions concrètes que pose une pratique d’un design raisonné à nos sociétés contemporaines. Rencontres, concept, fabrique et échanges ponctuent ce livre témoin du parcours d’un jeune créateur en prise directe avec les doutes et les interrogations de son temps. Les œuvres produites résultent(...)
$59.95
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Résumé:
Cet ouvrage, consacré au jeune designer Amaury Poudray, s’articule autour de questions concrètes que pose une pratique d’un design raisonné à nos sociétés contemporaines. Rencontres, concept, fabrique et échanges ponctuent ce livre témoin du parcours d’un jeune créateur en prise directe avec les doutes et les interrogations de son temps. Les œuvres produites résultent(...)
Titre:
Arrangements : design et produits
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$59.95
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Cet ouvrage, consacré au jeune designer Amaury Poudray, s’articule autour de questions concrètes que pose une pratique d’un design raisonné à nos sociétés contemporaines. Rencontres, concept, fabrique et échanges ponctuent ce livre témoin du parcours d’un jeune créateur en prise directe avec les doutes et les interrogations de son temps. Les œuvres produites résultent d’une tension assumée entre forme et fonction, entre savoir-faire et innovation ; la notion de processus expérimental domine ici dans l’acte créateur. Une certaine doctrine de l’action et du déplacement, une immersion dans le domaine technique à tous les stades de l’élaboration mêlées à une éthique de la décroissance sont des éléments caractéristiques du style Poudray qui ne peut s’appréhender que dans la prise en compte de la notion de « networks » et du « Y » dont il a fait son logotype. Réseaux, rhizomes et filets sont autant d’images pour signifier et caractériser ce travail et exprimer les points de vue à la fois structurels, économiques, sociaux et esthétiques à l’œuvre chez Amaury Poudray. Le livre est conçu lui-même comme une expérience proposée au lecteur par sa forme et ses contenus. Une quinzaine d’œuvres sont présentées et discutées. Marie Pok, directrice du Grand Hornu, propose une réflexion critique sur le travail d’Amaury Poudray en prise avec la société contemporaine. Les autres textes — sous la forme d’entretiens avec le designer lui-même et quelques-uns de ses partenaires (fabricants, entrepreneurs, galeristes, éditeurs…) — sont les traces et l’empreinte de ce réseau en action. Il regroupe des dessins préparatoires et des croquis, des photographies de création (Laure Mélone) et des documents.
Arrangements : design et produits
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Cet ouvrage, consacré au jeune designer Amaury Poudray, s’articule autour de questions concrètes que pose une pratique d’un design raisonné à nos sociétés contemporaines. Rencontres, concept, fabrique et échanges ponctuent ce livre témoin du parcours d’un jeune créateur en prise directe avec les doutes et les interrogations de son temps. Les œuvres produites résultent d’une tension assumée entre forme et fonction, entre savoir-faire et innovation ; la notion de processus expérimental domine ici dans l’acte créateur. Une certaine doctrine de l’action et du déplacement, une immersion dans le domaine technique à tous les stades de l’élaboration mêlées à une éthique de la décroissance sont des éléments caractéristiques du style Poudray qui ne peut s’appréhender que dans la prise en compte de la notion de « networks » et du « Y » dont il a fait son logotype. Réseaux, rhizomes et filets sont autant d’images pour signifier et caractériser ce travail et exprimer les points de vue à la fois structurels, économiques, sociaux et esthétiques à l’œuvre chez Amaury Poudray. Le livre est conçu lui-même comme une expérience proposée au lecteur par sa forme et ses contenus. Une quinzaine d’œuvres sont présentées et discutées. Marie Pok, directrice du Grand Hornu, propose une réflexion critique sur le travail d’Amaury Poudray en prise avec la société contemporaine. Les autres textes — sous la forme d’entretiens avec le designer lui-même et quelques-uns de ses partenaires (fabricants, entrepreneurs, galeristes, éditeurs…) — sont les traces et l’empreinte de ce réseau en action. Il regroupe des dessins préparatoires et des croquis, des photographies de création (Laure Mélone) et des documents.
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livres
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Publication:
septembre 2016
septembre 2016
Sujet:
Design industriel
Design industriel
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livres
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$49.99
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Résumé:
Depuis la seconde moitié des années 1960, Victor Burgin développe une œuvre d'une rare exigence plastique autant que théorique. D'abord identifié comme l'un des acteurs majeurs de l'art conceptuel, Victor Burgin s'est employé, dans son travail articulant texte et photographie, à décoder les présupposés et les usages des images. Son œuvre fait fonds des médias de masse, du(...)
$49.99
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Résumé:
Depuis la seconde moitié des années 1960, Victor Burgin développe une œuvre d'une rare exigence plastique autant que théorique. D'abord identifié comme l'un des acteurs majeurs de l'art conceptuel, Victor Burgin s'est employé, dans son travail articulant texte et photographie, à décoder les présupposés et les usages des images. Son œuvre fait fonds des médias de masse, du(...)
Titre:
Objets Temporels Victor Burgin
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Résumé:
Depuis la seconde moitié des années 1960, Victor Burgin développe une œuvre d'une rare exigence plastique autant que théorique. D'abord identifié comme l'un des acteurs majeurs de l'art conceptuel, Victor Burgin s'est employé, dans son travail articulant texte et photographie, à décoder les présupposés et les usages des images. Son œuvre fait fonds des médias de masse, du cinéma ou de la peinture aussi bien que de la littérature, de la sémiologie, de la psychanalyse ou des études culturelles. Dans les années 1990, la vidéo s'ajoute aux photo-textes et devient le médium privilégié de l'artiste. Si cet ouvrage offre une vision d'ensemble du parcours de Victor Burgin, c'est à cette pratique de vidéaste qu'il s'attache plus particulièrement. Rassemblant des écrits de l'artiste lui-même (pour la plupart inédits ou traduits pour la première fois en français), des essais critiques de Philippe Dubois, Evgenia Giannouri, Marianne Massin et Françoise Parfait, deux entretiens (l'un avec Homi Bhabha, datant de 1991, l'autre avec les étudiants du Master professionnel "Métiers et arts de l'exposition ", réalisé en 2007) et des notices consacrées à ses différentes vidéos, cette monographie propose une analyse approfondie de l'art de Victor Burgin et permet d'apprécier l'ampleur de ses enjeux esthétiques et politiques. C'est en effet une véritable politique de et par l'image qui se construit au fil de ses œuvres et de ses essais. Cet ouvrage documente enfin Fogliazzi, l'installation photo-vidéo que Victor Burgin a créée pour son exposition à la galerie Art & Essai de l'université Rennes 2 Haute-Bretagne (3 mai/15 juin 2007).
Objets Temporels Victor Burgin
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Depuis la seconde moitié des années 1960, Victor Burgin développe une œuvre d'une rare exigence plastique autant que théorique. D'abord identifié comme l'un des acteurs majeurs de l'art conceptuel, Victor Burgin s'est employé, dans son travail articulant texte et photographie, à décoder les présupposés et les usages des images. Son œuvre fait fonds des médias de masse, du cinéma ou de la peinture aussi bien que de la littérature, de la sémiologie, de la psychanalyse ou des études culturelles. Dans les années 1990, la vidéo s'ajoute aux photo-textes et devient le médium privilégié de l'artiste. Si cet ouvrage offre une vision d'ensemble du parcours de Victor Burgin, c'est à cette pratique de vidéaste qu'il s'attache plus particulièrement. Rassemblant des écrits de l'artiste lui-même (pour la plupart inédits ou traduits pour la première fois en français), des essais critiques de Philippe Dubois, Evgenia Giannouri, Marianne Massin et Françoise Parfait, deux entretiens (l'un avec Homi Bhabha, datant de 1991, l'autre avec les étudiants du Master professionnel "Métiers et arts de l'exposition ", réalisé en 2007) et des notices consacrées à ses différentes vidéos, cette monographie propose une analyse approfondie de l'art de Victor Burgin et permet d'apprécier l'ampleur de ses enjeux esthétiques et politiques. C'est en effet une véritable politique de et par l'image qui se construit au fil de ses œuvres et de ses essais. Cet ouvrage documente enfin Fogliazzi, l'installation photo-vidéo que Victor Burgin a créée pour son exposition à la galerie Art & Essai de l'université Rennes 2 Haute-Bretagne (3 mai/15 juin 2007).
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novembre 2007, Rennes
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Monographies photo
Monographies photo
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livres
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Architectures typographiques
Architectures typographiques
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$37.95
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Figure majeure du design graphique européen contemporain, Wim Crouwel (1928-2019) a marqué l’histoire de la discipline par sa pratique étendue du design, appliquée tant au domaine culturel qu’au domaine commercial. Au cours de sa carrière, il a réalisé à la fois des travaux de création typographique, des identités visuelles, de la signalétique, des affiches, des travaux(...)
$37.95
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Figure majeure du design graphique européen contemporain, Wim Crouwel (1928-2019) a marqué l’histoire de la discipline par sa pratique étendue du design, appliquée tant au domaine culturel qu’au domaine commercial. Au cours de sa carrière, il a réalisé à la fois des travaux de création typographique, des identités visuelles, de la signalétique, des affiches, des travaux(...)
Publication:
juin 2021
juin 2021
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Architectures typographiques
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$37.95
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Résumé:
Figure majeure du design graphique européen contemporain, Wim Crouwel (1928-2019) a marqué l’histoire de la discipline par sa pratique étendue du design, appliquée tant au domaine culturel qu’au domaine commercial. Au cours de sa carrière, il a réalisé à la fois des travaux de création typographique, des identités visuelles, de la signalétique, des affiches, des travaux d’édition, ou encore la scénographie d’expositions. Il a également été directeur du Boijmans Van Beuningen Museum de Rotterdam entre 1985 et 1993. Cet ouvrage constitue la première publication en langue française sur le travail de Wim Crouwel, dont l’influence se confirme aujourd’hui auprès des jeunes générations. Dès les années 1950, et durant les décennies suivantes, ce néerlandais, dont le rayonnement dépasse largement les frontières des Pays-Bas, est parvenu à développer une approche de la création graphique alliant l’héritage moderniste à la fantaisie du pop. À travers trois textes rédigés par Wim Crouwel, Catherine de Smet et Emmanuel Bérard, cet ouvrage témoigne de la diversité de l’œuvre de Wim Crouwel et revient sur son travail sur les identités visuelles, l’édition, ou la création d’affiches. Abondamment illustré, ce livre se concentre tout particulièrement sur la mise en pages des catalogues réalisés pour des musées tels le Stedelijk Museum d’Amsterdam, ainsi que sur la genèse et la présentation du New Alphabet, créé entre 1964 et 1967. Cet ouvrage est une réédition réactualisée de la version parue pour la première fois en 2007 à l’occasion de l’inauguration de l’exposition « Wim Crouwel, Architectures typographiques : 1956-1976 » à la galerie Anatome à Paris.
Architectures typographiques
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$37.95
(disponible sur commande)
Résumé:
Figure majeure du design graphique européen contemporain, Wim Crouwel (1928-2019) a marqué l’histoire de la discipline par sa pratique étendue du design, appliquée tant au domaine culturel qu’au domaine commercial. Au cours de sa carrière, il a réalisé à la fois des travaux de création typographique, des identités visuelles, de la signalétique, des affiches, des travaux d’édition, ou encore la scénographie d’expositions. Il a également été directeur du Boijmans Van Beuningen Museum de Rotterdam entre 1985 et 1993. Cet ouvrage constitue la première publication en langue française sur le travail de Wim Crouwel, dont l’influence se confirme aujourd’hui auprès des jeunes générations. Dès les années 1950, et durant les décennies suivantes, ce néerlandais, dont le rayonnement dépasse largement les frontières des Pays-Bas, est parvenu à développer une approche de la création graphique alliant l’héritage moderniste à la fantaisie du pop. À travers trois textes rédigés par Wim Crouwel, Catherine de Smet et Emmanuel Bérard, cet ouvrage témoigne de la diversité de l’œuvre de Wim Crouwel et revient sur son travail sur les identités visuelles, l’édition, ou la création d’affiches. Abondamment illustré, ce livre se concentre tout particulièrement sur la mise en pages des catalogues réalisés pour des musées tels le Stedelijk Museum d’Amsterdam, ainsi que sur la genèse et la présentation du New Alphabet, créé entre 1964 et 1967. Cet ouvrage est une réédition réactualisée de la version parue pour la première fois en 2007 à l’occasion de l’inauguration de l’exposition « Wim Crouwel, Architectures typographiques : 1956-1976 » à la galerie Anatome à Paris.
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livres
livres
Publication:
juin 2021
juin 2021
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livres
livres
Prix:
$45.95
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Résumé:
On connaît Guy Debord pour avoir été poète, cinéaste, artiste, théoricien révolutionnaire, directeur de revue et fondateur de mouvements d’avant-garde. Mais il fut surtout stratège. Qu’entend-on par là? Que la poésie, le cinéma, la théorie, et l’avant-garde furent pour lui les moyens employés dans le cadre d’un conflit contre la société de son temps. Un objet en(...)
$45.95
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Résumé:
On connaît Guy Debord pour avoir été poète, cinéaste, artiste, théoricien révolutionnaire, directeur de revue et fondateur de mouvements d’avant-garde. Mais il fut surtout stratège. Qu’entend-on par là? Que la poésie, le cinéma, la théorie, et l’avant-garde furent pour lui les moyens employés dans le cadre d’un conflit contre la société de son temps. Un objet en(...)
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Le jeu de la guerre de Guy Debord : l'émancipation comme projet
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On connaît Guy Debord pour avoir été poète, cinéaste, artiste, théoricien révolutionnaire, directeur de revue et fondateur de mouvements d’avant-garde. Mais il fut surtout stratège. Qu’entend-on par là? Que la poésie, le cinéma, la théorie, et l’avant-garde furent pour lui les moyens employés dans le cadre d’un conflit contre la société de son temps. Un objet en particulier, Le Jeu de la guerre, dont la vocation était d’aiguiser le sens stratégique et la conscience d’une incessante guerre à mener, répond de cet objectif. Debord conçoit dans le milieu des années 1950 un jeu, qui se présente sous la forme d’un plateau quadrillé et de pions représentant les diverses unités d’une armée, qu’il pratique et cherche à diffuser tout au long de sa vie. En tant que modélisation de la guerre, le jeu permet de retrouver la charge critique des recherches situationnistes sur l’espace, la cartographie, les labyrinthes et le ludique en général. À l’heure où le design – qu’il soit d’objets, de systèmes, d’interfaces ou d’expérience – tend à envahir les discours et englober de plus en plus de champs de l’activité créative, technique, sociale et économique, et où l’art peine à penser les conditions de sa validité émancipatrice, Emmanuel Guy propose à travers cette analyse une relecture de l’œuvre critique de Guy Debord sous l’angle de la stratégie. Tiré de sa thèse de doctorat, ce livre offre un regard nouveau sur la vie de l’un des plus grands intellectuels de la deuxième moitié du XXe siècle.
Le jeu de la guerre de Guy Debord : l'émancipation comme projet
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On connaît Guy Debord pour avoir été poète, cinéaste, artiste, théoricien révolutionnaire, directeur de revue et fondateur de mouvements d’avant-garde. Mais il fut surtout stratège. Qu’entend-on par là? Que la poésie, le cinéma, la théorie, et l’avant-garde furent pour lui les moyens employés dans le cadre d’un conflit contre la société de son temps. Un objet en particulier, Le Jeu de la guerre, dont la vocation était d’aiguiser le sens stratégique et la conscience d’une incessante guerre à mener, répond de cet objectif. Debord conçoit dans le milieu des années 1950 un jeu, qui se présente sous la forme d’un plateau quadrillé et de pions représentant les diverses unités d’une armée, qu’il pratique et cherche à diffuser tout au long de sa vie. En tant que modélisation de la guerre, le jeu permet de retrouver la charge critique des recherches situationnistes sur l’espace, la cartographie, les labyrinthes et le ludique en général. À l’heure où le design – qu’il soit d’objets, de systèmes, d’interfaces ou d’expérience – tend à envahir les discours et englober de plus en plus de champs de l’activité créative, technique, sociale et économique, et où l’art peine à penser les conditions de sa validité émancipatrice, Emmanuel Guy propose à travers cette analyse une relecture de l’œuvre critique de Guy Debord sous l’angle de la stratégie. Tiré de sa thèse de doctorat, ce livre offre un regard nouveau sur la vie de l’un des plus grands intellectuels de la deuxième moitié du XXe siècle.
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Publication:
novembre 2020
novembre 2020
Sujet:
Théorie de l’art
Théorie de l’art
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livres
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Titre:
Paris insolite
Paris insolite
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$44.95
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Résumé:
Une plongée dans un Paris interlope, populaire et englouti, par un clochard, compagnon de Doisneau et d’autres piliers du Paris poétique. Dans les années 50, Jean-Paul Clébert fit de ses errances dans Paris des voyages épiques et sensibles. « La traversée de Paris est plus lente que celle d’un département », prévient-il à son entrée dans la ville. D’ailleurs, il lui(...)
$44.95
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Résumé:
Une plongée dans un Paris interlope, populaire et englouti, par un clochard, compagnon de Doisneau et d’autres piliers du Paris poétique. Dans les années 50, Jean-Paul Clébert fit de ses errances dans Paris des voyages épiques et sensibles. « La traversée de Paris est plus lente que celle d’un département », prévient-il à son entrée dans la ville. D’ailleurs, il lui(...)
Titre:
Paris insolite
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Une plongée dans un Paris interlope, populaire et englouti, par un clochard, compagnon de Doisneau et d’autres piliers du Paris poétique. Dans les années 50, Jean-Paul Clébert fit de ses errances dans Paris des voyages épiques et sensibles. « La traversée de Paris est plus lente que celle d’un département », prévient-il à son entrée dans la ville. D’ailleurs, il lui faut quatre mois pour aller d’un bout à l’autre du quatrième arrondissement... Clébert ne suit pas d’itinéraire, comme le ferait un guide, mais nous promène au hasard de ses besoins (dormir... manger... faire l’amour), de ses envies, de ses rencontres et de ses mille petits boulots : métreur, assureur, peintre, vendeur de L’Intran... Il apprend à connaître Paris par « les mains, les narines et les fesses ». C’est la ville envisagée d’un point de vue très pratique : celui d’un clochard qui vit avec moins que rien. Et qui traduit ça dans une écriture à couper le souffle : longues phrases rythmées ; portraits croqués à traits vifs ; charge poétique brutale. Ce roman-chronique est paru une première fois en 1952. Et cet éloge de la Cloche à Paris, l’auteur ne l’a pas offert au musée de l’Homme, comme il en avait caressé le désir, mais à Denoël, à l’époque éditeur de Calaferte, de Giraud, de Cendrars, de Malaparte... Un an après la sortie du livre, l’auteur est retourné sur ces lieux en compagnie d’un photographe, Patrice Molinard, qui en a ramené 115 documents bruts et beaux. Ce sont ces photos - d’un Doisneau sans pathos - qui illustrent la présente édition.
Paris insolite
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$44.95
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Résumé:
Une plongée dans un Paris interlope, populaire et englouti, par un clochard, compagnon de Doisneau et d’autres piliers du Paris poétique. Dans les années 50, Jean-Paul Clébert fit de ses errances dans Paris des voyages épiques et sensibles. « La traversée de Paris est plus lente que celle d’un département », prévient-il à son entrée dans la ville. D’ailleurs, il lui faut quatre mois pour aller d’un bout à l’autre du quatrième arrondissement... Clébert ne suit pas d’itinéraire, comme le ferait un guide, mais nous promène au hasard de ses besoins (dormir... manger... faire l’amour), de ses envies, de ses rencontres et de ses mille petits boulots : métreur, assureur, peintre, vendeur de L’Intran... Il apprend à connaître Paris par « les mains, les narines et les fesses ». C’est la ville envisagée d’un point de vue très pratique : celui d’un clochard qui vit avec moins que rien. Et qui traduit ça dans une écriture à couper le souffle : longues phrases rythmées ; portraits croqués à traits vifs ; charge poétique brutale. Ce roman-chronique est paru une première fois en 1952. Et cet éloge de la Cloche à Paris, l’auteur ne l’a pas offert au musée de l’Homme, comme il en avait caressé le désir, mais à Denoël, à l’époque éditeur de Calaferte, de Giraud, de Cendrars, de Malaparte... Un an après la sortie du livre, l’auteur est retourné sur ces lieux en compagnie d’un photographe, Patrice Molinard, qui en a ramené 115 documents bruts et beaux. Ce sont ces photos - d’un Doisneau sans pathos - qui illustrent la présente édition.
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livres
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Publication:
septembre 2011
septembre 2011
Sujet:
Théorie/ philosophie
Théorie/ philosophie
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Titre:
Habiter la menace
Habiter la menace
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$59.00
(disponible sur commande)
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À l'aube du XXIe siècle, il est communément admis que la nature, au même titre que le construit, est un artefact, une élaboration humaine. C'est clair, c'est l'héritage du XXe siècle. Ce qui est nouveau, toutefois, c'est que notre environnement, naturel et construit, soit désormais perçu, tant au plan symbolique que littéral, comme source de danger. La nature, la montagne(...)
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Résumé:
À l'aube du XXIe siècle, il est communément admis que la nature, au même titre que le construit, est un artefact, une élaboration humaine. C'est clair, c'est l'héritage du XXe siècle. Ce qui est nouveau, toutefois, c'est que notre environnement, naturel et construit, soit désormais perçu, tant au plan symbolique que littéral, comme source de danger. La nature, la montagne(...)
Titre:
Habiter la menace
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Prix:
$59.00
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Résumé:
À l'aube du XXIe siècle, il est communément admis que la nature, au même titre que le construit, est un artefact, une élaboration humaine. C'est clair, c'est l'héritage du XXe siècle. Ce qui est nouveau, toutefois, c'est que notre environnement, naturel et construit, soit désormais perçu, tant au plan symbolique que littéral, comme source de danger. La nature, la montagne et l'air notamment, tout comme la ville en termes génériques, menacent l'être humain. Lothar, les avalanches de février 1999, les éboulements, sans parler des champs électromagnétiques et des gaz azotés, ont envahi les médias ; leurs images côtoient désormais celles, un peu fanées, des océans lointains aux eaux transparentes. En même temps, ce monde, où chacun prend les risques individuels les plus fous (base jumping, ski extrême...), n'accepte plus le risque collectif. Les ouvrages de protection se multiplient (digues, murs, etc.) et envahissent le paysage, sans discernement, avec la vigueur et la bonne conscience de l'investissement " utile " parce que nécessaire. Dans ce contexte, une réflexion architecturale doit s'engager. L'ouvrage de protection ne pourrait-il pas accueillir d'autres programmes ? La digue ne pourrait-elle pas être à la fois paravalanche et hôtel ? La chemise de protection d'un gros transformateur en milieu urbain ne pourrait-elle pas être tout ensemble mur et habitation ? Ce qui est hostile peut-il être hospitalier ? Ne pourrait-on pas habiter la menace ? Dans cet ouvrage, subtilement illustré, les textes d'un philosophe et d'une géographe côtoient ceux de quatre architectes dont les projets expriment le plaisir de renouveler une pensée architecturale qui apprivoiserait la menace, de repenser une pratique où faire, ce serait faire d'une pierre deux coups...
Habiter la menace
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$59.00
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Résumé:
À l'aube du XXIe siècle, il est communément admis que la nature, au même titre que le construit, est un artefact, une élaboration humaine. C'est clair, c'est l'héritage du XXe siècle. Ce qui est nouveau, toutefois, c'est que notre environnement, naturel et construit, soit désormais perçu, tant au plan symbolique que littéral, comme source de danger. La nature, la montagne et l'air notamment, tout comme la ville en termes génériques, menacent l'être humain. Lothar, les avalanches de février 1999, les éboulements, sans parler des champs électromagnétiques et des gaz azotés, ont envahi les médias ; leurs images côtoient désormais celles, un peu fanées, des océans lointains aux eaux transparentes. En même temps, ce monde, où chacun prend les risques individuels les plus fous (base jumping, ski extrême...), n'accepte plus le risque collectif. Les ouvrages de protection se multiplient (digues, murs, etc.) et envahissent le paysage, sans discernement, avec la vigueur et la bonne conscience de l'investissement " utile " parce que nécessaire. Dans ce contexte, une réflexion architecturale doit s'engager. L'ouvrage de protection ne pourrait-il pas accueillir d'autres programmes ? La digue ne pourrait-elle pas être à la fois paravalanche et hôtel ? La chemise de protection d'un gros transformateur en milieu urbain ne pourrait-elle pas être tout ensemble mur et habitation ? Ce qui est hostile peut-il être hospitalier ? Ne pourrait-on pas habiter la menace ? Dans cet ouvrage, subtilement illustré, les textes d'un philosophe et d'une géographe côtoient ceux de quatre architectes dont les projets expriment le plaisir de renouveler une pensée architecturale qui apprivoiserait la menace, de repenser une pratique où faire, ce serait faire d'une pierre deux coups...
Classification:
livres
livres
Publication:
mars 2006, Lausanne
mars 2006, Lausanne
Sujet:
Architecture écologique
Architecture écologique
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livres
livres
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Prix:
$20.00
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Résumé:
Sous quelles formes et en quels lieux se déploient aujourd'hui les pratiques artistiques? N'étant plus confinés à la triade atelier, galerie, musée, les artistes créent des alternatives à l'institutionnalisation de l'art en investissant des non-lieux, ou encore en modelant leur pratique artistique sur d'autres secteurs de l'activité humaine tels l'espace public/privé,(...)
$20.00
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Résumé:
Sous quelles formes et en quels lieux se déploient aujourd'hui les pratiques artistiques? N'étant plus confinés à la triade atelier, galerie, musée, les artistes créent des alternatives à l'institutionnalisation de l'art en investissant des non-lieux, ou encore en modelant leur pratique artistique sur d'autres secteurs de l'activité humaine tels l'espace public/privé,(...)
Titre:
Lieux et non-lieux de l'art contemporain / Places and non-places of contemporary art
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Prix:
$20.00
(disponible sur commande)
Résumé:
Sous quelles formes et en quels lieux se déploient aujourd'hui les pratiques artistiques? N'étant plus confinés à la triade atelier, galerie, musée, les artistes créent des alternatives à l'institutionnalisation de l'art en investissant des non-lieux, ou encore en modelant leur pratique artistique sur d'autres secteurs de l'activité humaine tels l'espace public/privé, les territoires social et psychologique, la recherche scientifique, le politique. Ce livre propose une réflexion sur ces différents lieux et leur incidence sur notre conception d'art, sur les conditions de réception, sur le statut de l'auteur et sur le rôle du spectateur. Plusieurs approches artistiques sont considérées : pratiques infiltrantes, manœuvres, actions, relationnelles et performatives, interventions in situ. Le pouvoir que l'art a de transformer notre perception des situations et des activités quotidiennes débouche sur la convergence, une valeur ajoutée à la coexistence. Avec des textes de: Paul Ardenne, Aline Caillet, Nathalie de Blois, Marie Fraser, Emmanuelle Léonard, Luc Lévesque, Christof Migone, Alain-Martin Richard, Kathleen Ritter, Véronique Rodriguez, et Stephen Wright. // In what forms and in what places are artistic practices deployed today? No longer confined to the triad studio-gallery-museum, artists are creating alternatives to the art world: public/private space; psychological/social territories; scientific research; politics; the workplace. This book is an invitation to consider how these non-traditional places for production/diffusion impact on our conceptions of art, the status of the artist/author, and the role of the spectator. Diverse artistic approaches are considered - infiltration practices, manoeuvres, relational and performative actions, site-specific intervention - all of which foreground relations of coexistence. Texts by: Paul Ardenne, Aline Caillet, Nathalie de Blois, Marie Fraser, Emmanuelle Léonard, Luc Lévesque, Christof Migone, Alain-Martin Richard, Kathleen Ritter, Véronique Rodriguez, and Stephen Wright.
Lieux et non-lieux de l'art contemporain / Places and non-places of contemporary art
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Prix:
$20.00
(disponible sur commande)
Résumé:
Sous quelles formes et en quels lieux se déploient aujourd'hui les pratiques artistiques? N'étant plus confinés à la triade atelier, galerie, musée, les artistes créent des alternatives à l'institutionnalisation de l'art en investissant des non-lieux, ou encore en modelant leur pratique artistique sur d'autres secteurs de l'activité humaine tels l'espace public/privé, les territoires social et psychologique, la recherche scientifique, le politique. Ce livre propose une réflexion sur ces différents lieux et leur incidence sur notre conception d'art, sur les conditions de réception, sur le statut de l'auteur et sur le rôle du spectateur. Plusieurs approches artistiques sont considérées : pratiques infiltrantes, manœuvres, actions, relationnelles et performatives, interventions in situ. Le pouvoir que l'art a de transformer notre perception des situations et des activités quotidiennes débouche sur la convergence, une valeur ajoutée à la coexistence. Avec des textes de: Paul Ardenne, Aline Caillet, Nathalie de Blois, Marie Fraser, Emmanuelle Léonard, Luc Lévesque, Christof Migone, Alain-Martin Richard, Kathleen Ritter, Véronique Rodriguez, et Stephen Wright. // In what forms and in what places are artistic practices deployed today? No longer confined to the triad studio-gallery-museum, artists are creating alternatives to the art world: public/private space; psychological/social territories; scientific research; politics; the workplace. This book is an invitation to consider how these non-traditional places for production/diffusion impact on our conceptions of art, the status of the artist/author, and the role of the spectator. Diverse artistic approaches are considered - infiltration practices, manoeuvres, relational and performative actions, site-specific intervention - all of which foreground relations of coexistence. Texts by: Paul Ardenne, Aline Caillet, Nathalie de Blois, Marie Fraser, Emmanuelle Léonard, Luc Lévesque, Christof Migone, Alain-Martin Richard, Kathleen Ritter, Véronique Rodriguez, and Stephen Wright.
Classification:
livres
livres
Publication:
novembre 2005, Montréal
novembre 2005, Montréal
Sujet:
Espaces Public
Espaces Public
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livres
livres
Titre:
Villas 50 en France
Villas 50 en France
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Prix:
$109.95
(disponible en magasin)
Résumé:
Alors que le design des années 50 connaît une vogue considérable et que l'architecture de la reconstruction a été très étudiée, les maisons particulières de cette époque restent méconnues. Réservée jusque-là à de grands bourgeois qui s'adressaient à des stars de la modernité comme Robert Mallet-Stevens, Pierre Chareau ou Le Corbusier, la villa connaît, avec l'émergence(...)
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(disponible en magasin)
Résumé:
Alors que le design des années 50 connaît une vogue considérable et que l'architecture de la reconstruction a été très étudiée, les maisons particulières de cette époque restent méconnues. Réservée jusque-là à de grands bourgeois qui s'adressaient à des stars de la modernité comme Robert Mallet-Stevens, Pierre Chareau ou Le Corbusier, la villa connaît, avec l'émergence(...)
Publication:
avril 2005, Paris
avril 2005, Paris
Titre:
Villas 50 en France
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Prix:
$109.95
(disponible en magasin)
Résumé:
Alors que le design des années 50 connaît une vogue considérable et que l'architecture de la reconstruction a été très étudiée, les maisons particulières de cette époque restent méconnues. Réservée jusque-là à de grands bourgeois qui s'adressaient à des stars de la modernité comme Robert Mallet-Stevens, Pierre Chareau ou Le Corbusier, la villa connaît, avec l'émergence d'une bourgeoisie éclairée plus modeste, un essor remarquable dans la France de l'après-guerre. A l'ombre des grands ensembles, elle constitue une sorte de laboratoire qui permet aux architectes d'innover, mais aussi de mettre en pratique les acquis et les enseignements des maîtres, tout en les détournant et les adaptant, avec la vitalité et l'esprit de provocation caractéristiques de l'époque. Cette architecture domestique, à la fois expérimentale et matérialiste, souvent utopique, caricaturée par Jacques Tati ou Spirou, bénéficie de l'aide des Salons et des concours organisés par des magazines extraordinairement audacieux et inventifs. Montrant à quel point sa modernité se différencie du purisme théoricien qui prévalait avant la guerre, l'auteur Raphaëlle Saint-Pierre analyse dans la première partie de l'ouvrage le vocabulaire architectural français qui se met en place, nourri d'influences américaines, scandinaves, japonaises et brésiliennes, balançant entre organicisme, rationalisme, brutalisme et art total, sans déroger aux règles de fonctionnalité du plan, aux nouveaux impératifs d'équipement et au rapport, désormais indispensable, entre habitat et nature. Dans un second temps, la visite détaillée de vingt-cinq maisons, construites par les maîtres que sont Le Corbusier, André Lurçat, Alvar Aalto et Philip Johnson, par de jeunes architectes comme Claude Parent ou André Wogenscky, des ingénieurs et des artistes tels que Jean Prouvé, André Bloc et Pierre Soulages, nous fait découvrir la richesse de ce patrimoine architectural profondément original.
Villas 50 en France
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Prix:
$109.95
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Résumé:
Alors que le design des années 50 connaît une vogue considérable et que l'architecture de la reconstruction a été très étudiée, les maisons particulières de cette époque restent méconnues. Réservée jusque-là à de grands bourgeois qui s'adressaient à des stars de la modernité comme Robert Mallet-Stevens, Pierre Chareau ou Le Corbusier, la villa connaît, avec l'émergence d'une bourgeoisie éclairée plus modeste, un essor remarquable dans la France de l'après-guerre. A l'ombre des grands ensembles, elle constitue une sorte de laboratoire qui permet aux architectes d'innover, mais aussi de mettre en pratique les acquis et les enseignements des maîtres, tout en les détournant et les adaptant, avec la vitalité et l'esprit de provocation caractéristiques de l'époque. Cette architecture domestique, à la fois expérimentale et matérialiste, souvent utopique, caricaturée par Jacques Tati ou Spirou, bénéficie de l'aide des Salons et des concours organisés par des magazines extraordinairement audacieux et inventifs. Montrant à quel point sa modernité se différencie du purisme théoricien qui prévalait avant la guerre, l'auteur Raphaëlle Saint-Pierre analyse dans la première partie de l'ouvrage le vocabulaire architectural français qui se met en place, nourri d'influences américaines, scandinaves, japonaises et brésiliennes, balançant entre organicisme, rationalisme, brutalisme et art total, sans déroger aux règles de fonctionnalité du plan, aux nouveaux impératifs d'équipement et au rapport, désormais indispensable, entre habitat et nature. Dans un second temps, la visite détaillée de vingt-cinq maisons, construites par les maîtres que sont Le Corbusier, André Lurçat, Alvar Aalto et Philip Johnson, par de jeunes architectes comme Claude Parent ou André Wogenscky, des ingénieurs et des artistes tels que Jean Prouvé, André Bloc et Pierre Soulages, nous fait découvrir la richesse de ce patrimoine architectural profondément original.
Classification:
livres
livres
Publication:
avril 2005, Paris
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