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$46.95
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Eliezer (Lazar) Markovitch Lissitzky (Pochinok, près de Smolensk, Russie, 1890 – Moscou, 1941), dit El Lissitzky, est l’un des artistes les plus influents, les plus novateurs et les plus controversés du début du XXe siècle. Peintre, designer, architecte et photographe prolifique, il a travaillé avec l’avant-garde soviétique et européenne des années 1920 et participé(...)
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Eliezer (Lazar) Markovitch Lissitzky (Pochinok, près de Smolensk, Russie, 1890 – Moscou, 1941), dit El Lissitzky, est l’un des artistes les plus influents, les plus novateurs et les plus controversés du début du XXe siècle. Peintre, designer, architecte et photographe prolifique, il a travaillé avec l’avant-garde soviétique et européenne des années 1920 et participé(...)
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El Lissitzky : l'expérience de la totalité
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Résumé:
Eliezer (Lazar) Markovitch Lissitzky (Pochinok, près de Smolensk, Russie, 1890 – Moscou, 1941), dit El Lissitzky, est l’un des artistes les plus influents, les plus novateurs et les plus controversés du début du XXe siècle. Peintre, designer, architecte et photographe prolifique, il a travaillé avec l’avant-garde soviétique et européenne des années 1920 et participé activement à l’art propagandiste stalinien des années 1930. L’une des spécificités majeures de son œuvre comme de sa vie est le « franchissement des limites » : il a rapproché les pays et les cultures, l’art et le design, l’Est et l’Ouest. Après 1917, pendant la période du communisme de guerre, il vit à l'étranger où il fait office d'ambassadeur culturel, promouvant l'art russe et les idées soviétiques à l'Ouest tout en s'informant sur la culture occidentale. Pour lui, l’art ne doit pas être considéré comme le fruit d’une expression personnelle ou comme une production d’objets, mais comme une activité sociale et collective. Avec Kazimir Malevitch, il développe un nouveau langage visuel – le suprématisme révolutionnaire – employé non seulement en peinture, mais aussi en arts graphiques et en gravure, en architecture et en théâtre, en céramique, dans les théories de l’éducation et dans les écrits révolutionnaires.
El Lissitzky : l'expérience de la totalité
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Eliezer (Lazar) Markovitch Lissitzky (Pochinok, près de Smolensk, Russie, 1890 – Moscou, 1941), dit El Lissitzky, est l’un des artistes les plus influents, les plus novateurs et les plus controversés du début du XXe siècle. Peintre, designer, architecte et photographe prolifique, il a travaillé avec l’avant-garde soviétique et européenne des années 1920 et participé activement à l’art propagandiste stalinien des années 1930. L’une des spécificités majeures de son œuvre comme de sa vie est le « franchissement des limites » : il a rapproché les pays et les cultures, l’art et le design, l’Est et l’Ouest. Après 1917, pendant la période du communisme de guerre, il vit à l'étranger où il fait office d'ambassadeur culturel, promouvant l'art russe et les idées soviétiques à l'Ouest tout en s'informant sur la culture occidentale. Pour lui, l’art ne doit pas être considéré comme le fruit d’une expression personnelle ou comme une production d’objets, mais comme une activité sociale et collective. Avec Kazimir Malevitch, il développe un nouveau langage visuel – le suprématisme révolutionnaire – employé non seulement en peinture, mais aussi en arts graphiques et en gravure, en architecture et en théâtre, en céramique, dans les théories de l’éducation et dans les écrits révolutionnaires.
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livres
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Publication:
février 2014
février 2014
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livres
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$74.95
(disponible sur commande)
Résumé:
Modeste employé des douanes, Henri Julien Félix Rousseau, dit Le Douanier Rousseau (1844-1910), est aujourd'hui reconnu comme l'une des figures les plus originales de l'art de la fin du XIXe et du début du XXe siècle, un cas unique dans l'histoire de l'art européen. Cet autodidacte devenu peintre sur le tard ne commence à peindre qu'en 1871, en amateur passionné, sans(...)
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Modeste employé des douanes, Henri Julien Félix Rousseau, dit Le Douanier Rousseau (1844-1910), est aujourd'hui reconnu comme l'une des figures les plus originales de l'art de la fin du XIXe et du début du XXe siècle, un cas unique dans l'histoire de l'art européen. Cet autodidacte devenu peintre sur le tard ne commence à peindre qu'en 1871, en amateur passionné, sans(...)
Titre:
Le Douanier Rousseau: l'iinnocence archaïque
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Modeste employé des douanes, Henri Julien Félix Rousseau, dit Le Douanier Rousseau (1844-1910), est aujourd'hui reconnu comme l'une des figures les plus originales de l'art de la fin du XIXe et du début du XXe siècle, un cas unique dans l'histoire de l'art européen. Cet autodidacte devenu peintre sur le tard ne commence à peindre qu'en 1871, en amateur passionné, sans culture ni métier. Il produit des paysages qui illustrent souvent les progrès techniques de son temps, des portraits, des sujets patriotiques et militaires, des scènes de la vie populaire et des vues d'un Paris qu'il ne quittera jamais. Mais sa notoriété est avant tout liée aux tableaux à sujets exotiques dont l'inspiration est nourrie par ses visites au Jardin des Plantes, au Museum d'Histoire naturelle, ou d'images empruntées aux dictionnaires, aux catalogues, aux livres de botanique ou aux chromos. Mais il serait vain de vouloir placer une étiquette sur le travail d'Henri Rousseau, sa peinture se refusant à toute tentative de catégorisation. L'histoire de sa réception repose ainsi sur une série de malentendus. Alternativement rejeté par les critiques pour son style "naïf", et apprécié par les artistes pour la même raison, le Douanier Rousseau se proclamait peintre "réaliste".
Le Douanier Rousseau: l'iinnocence archaïque
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Modeste employé des douanes, Henri Julien Félix Rousseau, dit Le Douanier Rousseau (1844-1910), est aujourd'hui reconnu comme l'une des figures les plus originales de l'art de la fin du XIXe et du début du XXe siècle, un cas unique dans l'histoire de l'art européen. Cet autodidacte devenu peintre sur le tard ne commence à peindre qu'en 1871, en amateur passionné, sans culture ni métier. Il produit des paysages qui illustrent souvent les progrès techniques de son temps, des portraits, des sujets patriotiques et militaires, des scènes de la vie populaire et des vues d'un Paris qu'il ne quittera jamais. Mais sa notoriété est avant tout liée aux tableaux à sujets exotiques dont l'inspiration est nourrie par ses visites au Jardin des Plantes, au Museum d'Histoire naturelle, ou d'images empruntées aux dictionnaires, aux catalogues, aux livres de botanique ou aux chromos. Mais il serait vain de vouloir placer une étiquette sur le travail d'Henri Rousseau, sa peinture se refusant à toute tentative de catégorisation. L'histoire de sa réception repose ainsi sur une série de malentendus. Alternativement rejeté par les critiques pour son style "naïf", et apprécié par les artistes pour la même raison, le Douanier Rousseau se proclamait peintre "réaliste".
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livres
livres
Publication:
mars 2016
mars 2016
Classification:
livres
livres
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Prix:
$69.00
(disponible sur commande)
Résumé:
Gabriel Orozco visited the old guest apartments of Prince and Princess de Broglie (the last private owners of Château de Chaumont-sur-Loire) for but a few moments when his gaze was drawn straight to the torn wallpaper remains—so discreet that they were no longer noticed. These faded impressions, modest vestiges, extremely fragile traces of a past now behind us,(...)
$69.00
(disponible sur commande)
Résumé:
Gabriel Orozco visited the old guest apartments of Prince and Princess de Broglie (the last private owners of Château de Chaumont-sur-Loire) for but a few moments when his gaze was drawn straight to the torn wallpaper remains—so discreet that they were no longer noticed. These faded impressions, modest vestiges, extremely fragile traces of a past now behind us,(...)
Publication:
octobre 2016
octobre 2016
Titre:
Gabriel Orozco: fleurs fantômes
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$69.00
(disponible sur commande)
Résumé:
Gabriel Orozco visited the old guest apartments of Prince and Princess de Broglie (the last private owners of Château de Chaumont-sur-Loire) for but a few moments when his gaze was drawn straight to the torn wallpaper remains—so discreet that they were no longer noticed. These faded impressions, modest vestiges, extremely fragile traces of a past now behind us, immediately captured the imagination of this exceptional artist, who had been invited to “take over the château” as part of a special commission for the Centre-Loire Valley region. In his fascination with the remnants of the old tapestries that once graced the walls of these rooms—closed off and forgotten about since 1938—Orozco devoted hours to studying the palimpsest of the floral tapestries, still hanging on these old walls: photographing them over a considerable amount of time whilst listening to the echoes of ages past. For in these very rooms, now consigned to history, kings and queens from all over Europe once spent time and slept—sometimes for just a few hours—at the turn of last century, invited as guests to sumptuous parties and celebrated hunts. The artist, whose work is inspired by the quest for traces, remnants, marks left by men, has chosen an approach that looks back at the history and memory of the château at Chaumont-sur-Loire. In these fragments of old, timeworn, threadbare tapestries, Gabriel Orozco detected traces of these lives now long gone by: a matrix of a subtle meditation on space and time. The works on display in the “guest bedrooms” of the château evoke the details and the damage of the ancient wallpaper, whose elegant floral motifs have been recreated using a unique, time-consuming process of spraying oil onto canvas. The faltering impression mirrors the feeling of unease that grips visitors as they encounter these works and these blemished walls that are now in plain sight. In this way Orozco reveals not just the designs and colors that had until now faded into the background, but also the emotion suspended in the rooms. Through this poetic promenade, along the walls and complex walkways of the west and south wings of two floors of the château, Orozco invites us to partake in a dialogue with the mystery and the memory of a unique environment that is rendered omnipresent.
Gabriel Orozco: fleurs fantômes
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$69.00
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Gabriel Orozco visited the old guest apartments of Prince and Princess de Broglie (the last private owners of Château de Chaumont-sur-Loire) for but a few moments when his gaze was drawn straight to the torn wallpaper remains—so discreet that they were no longer noticed. These faded impressions, modest vestiges, extremely fragile traces of a past now behind us, immediately captured the imagination of this exceptional artist, who had been invited to “take over the château” as part of a special commission for the Centre-Loire Valley region. In his fascination with the remnants of the old tapestries that once graced the walls of these rooms—closed off and forgotten about since 1938—Orozco devoted hours to studying the palimpsest of the floral tapestries, still hanging on these old walls: photographing them over a considerable amount of time whilst listening to the echoes of ages past. For in these very rooms, now consigned to history, kings and queens from all over Europe once spent time and slept—sometimes for just a few hours—at the turn of last century, invited as guests to sumptuous parties and celebrated hunts. The artist, whose work is inspired by the quest for traces, remnants, marks left by men, has chosen an approach that looks back at the history and memory of the château at Chaumont-sur-Loire. In these fragments of old, timeworn, threadbare tapestries, Gabriel Orozco detected traces of these lives now long gone by: a matrix of a subtle meditation on space and time. The works on display in the “guest bedrooms” of the château evoke the details and the damage of the ancient wallpaper, whose elegant floral motifs have been recreated using a unique, time-consuming process of spraying oil onto canvas. The faltering impression mirrors the feeling of unease that grips visitors as they encounter these works and these blemished walls that are now in plain sight. In this way Orozco reveals not just the designs and colors that had until now faded into the background, but also the emotion suspended in the rooms. Through this poetic promenade, along the walls and complex walkways of the west and south wings of two floors of the château, Orozco invites us to partake in a dialogue with the mystery and the memory of a unique environment that is rendered omnipresent.
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livres
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Publication:
octobre 2016
octobre 2016
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livres
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Prix:
$49.95
(disponible sur commande)
Résumé:
À travers la sélection d’environ quatre-vingts oeuvres des années nabis et parisiennes, des scènes de rue et d’intérieur, familiales ou plus intimes, avec notamment une séquence consacrée à sa compagne, Marthe, et jusqu’aux paysages du Cannet des années 1930-1940, est évoqué Bonnard, peintre « voyageur autour de sa maison » (Maurice Denis). Le parcours de l’exposition(...)
$49.95
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Résumé:
À travers la sélection d’environ quatre-vingts oeuvres des années nabis et parisiennes, des scènes de rue et d’intérieur, familiales ou plus intimes, avec notamment une séquence consacrée à sa compagne, Marthe, et jusqu’aux paysages du Cannet des années 1930-1940, est évoqué Bonnard, peintre « voyageur autour de sa maison » (Maurice Denis). Le parcours de l’exposition(...)
Titre:
Pierre Bonnard : la couleur radieuse
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$49.95
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Résumé:
À travers la sélection d’environ quatre-vingts oeuvres des années nabis et parisiennes, des scènes de rue et d’intérieur, familiales ou plus intimes, avec notamment une séquence consacrée à sa compagne, Marthe, et jusqu’aux paysages du Cannet des années 1930-1940, est évoqué Bonnard, peintre « voyageur autour de sa maison » (Maurice Denis). Le parcours de l’exposition invite le visiteur dans l’intimité de l’artiste et de son processus créatif où, non sans un certain décalage nostalgique, le réel et son souvenir entrent en tension avec le pictural et les exigences propres au tableau et à sa surface. Bonnard, en explorant très tôt, et paradoxalement toujours dos au motif, dans l’atelier, une thématique et des schémas de composition renouvelés par ses audacieux cadrages, fait transiter sa peinture du foyer familial à celui de la couleur « qui agit », selon la belle formule que rappelait Antoine Terrasse. Le peintre exprime son obsession de « voir, voir vraiment » dans une peinture portée jusqu’à l’équilibre instable, au brouillage et à la rupture avec le visible ordinaire, quand les figures fantomatiques habitent les fonds et les périphéries des tableaux – quand elles ne jouent pas les caméléons dans des taches et strates colorées d’une extraordinaire complexité. Bonnard occupe une position singulière dans l’histoire de l’art de la première moitié du XXe siècle, tantôt comme avenant à l’impressionnisme tantôt comme jalon d’une tendance abstraite de la couleur qui s’ancre dans la figuration, tout en invitant pour aujourd’hui à « regarder le monde non pas à travers les yeux du peintre mais ceux de la peinture » (Peter Doig).
Pierre Bonnard : la couleur radieuse
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$49.95
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À travers la sélection d’environ quatre-vingts oeuvres des années nabis et parisiennes, des scènes de rue et d’intérieur, familiales ou plus intimes, avec notamment une séquence consacrée à sa compagne, Marthe, et jusqu’aux paysages du Cannet des années 1930-1940, est évoqué Bonnard, peintre « voyageur autour de sa maison » (Maurice Denis). Le parcours de l’exposition invite le visiteur dans l’intimité de l’artiste et de son processus créatif où, non sans un certain décalage nostalgique, le réel et son souvenir entrent en tension avec le pictural et les exigences propres au tableau et à sa surface. Bonnard, en explorant très tôt, et paradoxalement toujours dos au motif, dans l’atelier, une thématique et des schémas de composition renouvelés par ses audacieux cadrages, fait transiter sa peinture du foyer familial à celui de la couleur « qui agit », selon la belle formule que rappelait Antoine Terrasse. Le peintre exprime son obsession de « voir, voir vraiment » dans une peinture portée jusqu’à l’équilibre instable, au brouillage et à la rupture avec le visible ordinaire, quand les figures fantomatiques habitent les fonds et les périphéries des tableaux – quand elles ne jouent pas les caméléons dans des taches et strates colorées d’une extraordinaire complexité. Bonnard occupe une position singulière dans l’histoire de l’art de la première moitié du XXe siècle, tantôt comme avenant à l’impressionnisme tantôt comme jalon d’une tendance abstraite de la couleur qui s’ancre dans la figuration, tout en invitant pour aujourd’hui à « regarder le monde non pas à travers les yeux du peintre mais ceux de la peinture » (Peter Doig).
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octobre 2016
octobre 2016
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$58.00
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These are the fragments Francis Upritchard has shored against her ruins. Thrift store pots have been remade as canopic urns, ancient Egyptian repositories for the organs of the dead. A gift from a relative, an unwanted wedding present or a memory of a day out, even the tackiest ornament once played a small symbolic function in someone’s life. Now they have been detourned(...)
$58.00
(disponible sur commande)
Résumé:
These are the fragments Francis Upritchard has shored against her ruins. Thrift store pots have been remade as canopic urns, ancient Egyptian repositories for the organs of the dead. A gift from a relative, an unwanted wedding present or a memory of a day out, even the tackiest ornament once played a small symbolic function in someone’s life. Now they have been detourned(...)
Titre:
Francis Upritchard: human problems
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$58.00
(disponible sur commande)
Résumé:
These are the fragments Francis Upritchard has shored against her ruins. Thrift store pots have been remade as canopic urns, ancient Egyptian repositories for the organs of the dead. A gift from a relative, an unwanted wedding present or a memory of a day out, even the tackiest ornament once played a small symbolic function in someone’s life. Now they have been detourned to reveal the underlying purpose of all that frantic personalising and decorating of domestic space, the fabrication of memories to set against death.
Francis Upritchard: human problems
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$58.00
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These are the fragments Francis Upritchard has shored against her ruins. Thrift store pots have been remade as canopic urns, ancient Egyptian repositories for the organs of the dead. A gift from a relative, an unwanted wedding present or a memory of a day out, even the tackiest ornament once played a small symbolic function in someone’s life. Now they have been detourned to reveal the underlying purpose of all that frantic personalising and decorating of domestic space, the fabrication of memories to set against death.
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janvier 1900, Rotterdam
janvier 1900, Rotterdam
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$34.00
(disponible sur commande)
Résumé:
De Luister van het Land - 2008 I was invited by Galerie 37 Spaarnestad to make new work with material from the Spaarnestad Photo archive, one of the largest pressarchives in Europe. De Luister van het Land is a caleidoscopic collection of over 250 photographs in which I interweaved old photographic narratives with my personal image in an installation on imagination and(...)
$34.00
(disponible sur commande)
Résumé:
De Luister van het Land - 2008 I was invited by Galerie 37 Spaarnestad to make new work with material from the Spaarnestad Photo archive, one of the largest pressarchives in Europe. De Luister van het Land is a caleidoscopic collection of over 250 photographs in which I interweaved old photographic narratives with my personal image in an installation on imagination and(...)
Titre:
De luister van het land Koen Hauser
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$34.00
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Résumé:
De Luister van het Land - 2008 I was invited by Galerie 37 Spaarnestad to make new work with material from the Spaarnestad Photo archive, one of the largest pressarchives in Europe. De Luister van het Land is a caleidoscopic collection of over 250 photographs in which I interweaved old photographic narratives with my personal image in an installation on imagination and ephemerality. Next to the exhibition I created a book with graphic designer Bart de Baets.
De luister van het land Koen Hauser
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$34.00
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De Luister van het Land - 2008 I was invited by Galerie 37 Spaarnestad to make new work with material from the Spaarnestad Photo archive, one of the largest pressarchives in Europe. De Luister van het Land is a caleidoscopic collection of over 250 photographs in which I interweaved old photographic narratives with my personal image in an installation on imagination and ephemerality. Next to the exhibition I created a book with graphic designer Bart de Baets.
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janvier 1900, Rotterdam
janvier 1900, Rotterdam
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Prix:
$53.00
(disponible sur commande)
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This catalogue is published on occasion of the exhibition 'Ryan Gander: Heralded as the New Black', 30 January - 24 March, Ikon Gallery, Birmingham, UK.
$53.00
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Résumé:
This catalogue is published on occasion of the exhibition 'Ryan Gander: Heralded as the New Black', 30 January - 24 March, Ikon Gallery, Birmingham, UK.
Publication:
avril 2008, Rotterdam, Birmingham
avril 2008, Rotterdam, Birmingham
Titre:
Ryan Gander: heralded as the new black
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Prix:
$53.00
(disponible sur commande)
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This catalogue is published on occasion of the exhibition 'Ryan Gander: Heralded as the New Black', 30 January - 24 March, Ikon Gallery, Birmingham, UK.
Ryan Gander: heralded as the new black
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$53.00
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This catalogue is published on occasion of the exhibition 'Ryan Gander: Heralded as the New Black', 30 January - 24 March, Ikon Gallery, Birmingham, UK.
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avril 2008, Rotterdam, Birmingham
avril 2008, Rotterdam, Birmingham
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Prix:
$49.00
(disponible sur commande)
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This carefully produced monograph covers the work from 1996 to 2007 of the visual artists group The Icelandic Love Corporation. Published on the occasion of the exhibiton at The Reykjavik Art Museum, Hafnarhus, August 2007. Texts by The Icelandic Love Corporation, Hafþór Yngvason, Yean Fee Quay, Randy Rosenberg, Björk Guðmundsdóttir, Þorvaldur Þorsteinsson and al.
$49.00
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This carefully produced monograph covers the work from 1996 to 2007 of the visual artists group The Icelandic Love Corporation. Published on the occasion of the exhibiton at The Reykjavik Art Museum, Hafnarhus, August 2007. Texts by The Icelandic Love Corporation, Hafþór Yngvason, Yean Fee Quay, Randy Rosenberg, Björk Guðmundsdóttir, Þorvaldur Þorsteinsson and al.
Publication:
janvier 2008, Reykjavik
janvier 2008, Reykjavik
Titre:
The Icelandic Love Corporation: Gjörningaklúbburinn,
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$49.00
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This carefully produced monograph covers the work from 1996 to 2007 of the visual artists group The Icelandic Love Corporation. Published on the occasion of the exhibiton at The Reykjavik Art Museum, Hafnarhus, August 2007. Texts by The Icelandic Love Corporation, Hafþór Yngvason, Yean Fee Quay, Randy Rosenberg, Björk Guðmundsdóttir, Þorvaldur Þorsteinsson and al.
The Icelandic Love Corporation: Gjörningaklúbburinn,
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$49.00
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This carefully produced monograph covers the work from 1996 to 2007 of the visual artists group The Icelandic Love Corporation. Published on the occasion of the exhibiton at The Reykjavik Art Museum, Hafnarhus, August 2007. Texts by The Icelandic Love Corporation, Hafþór Yngvason, Yean Fee Quay, Randy Rosenberg, Björk Guðmundsdóttir, Þorvaldur Þorsteinsson and al.
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janvier 2008, Reykjavik
janvier 2008, Reykjavik
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Titre:
Anja Franke: installations
Anja Franke: installations
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Prix:
$65.00
(disponible sur commande)
Résumé:
The book offers a thorough retrospective view of Anja Franke's work during the last 15 years. Mikkel Bogh, director of the Royal Danish Academy of Fine Arts in Copenhagen, contributes with an essay on the experience of mental and physical spaces in Franke's installations and her concern with borders, limitations, divisions and relations. Sanne Kofod Olsen, curator, writer(...)
$65.00
(disponible sur commande)
Résumé:
The book offers a thorough retrospective view of Anja Franke's work during the last 15 years. Mikkel Bogh, director of the Royal Danish Academy of Fine Arts in Copenhagen, contributes with an essay on the experience of mental and physical spaces in Franke's installations and her concern with borders, limitations, divisions and relations. Sanne Kofod Olsen, curator, writer(...)
Publication:
novembre 2004, Copenhagen
novembre 2004, Copenhagen
Titre:
Anja Franke: installations
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Prix:
$65.00
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Résumé:
The book offers a thorough retrospective view of Anja Franke's work during the last 15 years. Mikkel Bogh, director of the Royal Danish Academy of Fine Arts in Copenhagen, contributes with an essay on the experience of mental and physical spaces in Franke's installations and her concern with borders, limitations, divisions and relations. Sanne Kofod Olsen, curator, writer and director of the Funen Academy of Fine Arts in Odense, looks into recurrent aspects or principles in Franke's practice such as man, woman, apple, house and Franke's play with gender roles. The artist introduces each work with a description and personal comments.
Anja Franke: installations
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Prix:
$65.00
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Résumé:
The book offers a thorough retrospective view of Anja Franke's work during the last 15 years. Mikkel Bogh, director of the Royal Danish Academy of Fine Arts in Copenhagen, contributes with an essay on the experience of mental and physical spaces in Franke's installations and her concern with borders, limitations, divisions and relations. Sanne Kofod Olsen, curator, writer and director of the Funen Academy of Fine Arts in Odense, looks into recurrent aspects or principles in Franke's practice such as man, woman, apple, house and Franke's play with gender roles. The artist introduces each work with a description and personal comments.
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livres
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Publication:
novembre 2004, Copenhagen
novembre 2004, Copenhagen
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livres
livres
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Prix:
$32.00
(disponible sur commande)
Résumé:
This catalogue is published on the occasion if the exhibition 'ventilated space and self-production' at Mellemdaekket Projektrum Charlottenborg Udstillingsbygning, 9 August to 6 October 2002. 'There was always someone around me and I needed a room of my own. So I started a collection of coloured circles.'
$32.00
(disponible sur commande)
Résumé:
This catalogue is published on the occasion if the exhibition 'ventilated space and self-production' at Mellemdaekket Projektrum Charlottenborg Udstillingsbygning, 9 August to 6 October 2002. 'There was always someone around me and I needed a room of my own. So I started a collection of coloured circles.'
Publication:
novembre 2002, Copenhagen
novembre 2002, Copenhagen
Titre:
Henriette Heise: a room of one's own
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$32.00
(disponible sur commande)
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This catalogue is published on the occasion if the exhibition 'ventilated space and self-production' at Mellemdaekket Projektrum Charlottenborg Udstillingsbygning, 9 August to 6 October 2002. 'There was always someone around me and I needed a room of my own. So I started a collection of coloured circles.'
Henriette Heise: a room of one's own
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$32.00
(disponible sur commande)
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This catalogue is published on the occasion if the exhibition 'ventilated space and self-production' at Mellemdaekket Projektrum Charlottenborg Udstillingsbygning, 9 August to 6 October 2002. 'There was always someone around me and I needed a room of my own. So I started a collection of coloured circles.'
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livres
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Publication:
novembre 2002, Copenhagen
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